AOQU (Achilles Orlando Quixote Ulysses). Rivista di epica
La rivista «AOQU. Achilles Orlando Quixote Ulysses» nasce dall’esperienza di un gruppo di ricerca sul poema in ottave come ricettore di generi. Essa si propone quale luogo di confronto sul modello epico nei suoi confini più allargati, fra spinte innovative e persistenze profonde: come sistema valoriale, proiezione di sé sulla storia e sulla società, auto-identificazione in rapporto all’altro, ideologia e immaginario; e naturalmente come genere caratterizzato da costanti e diffrazioni, e ripercorribile nel suo articolato manifestarsi – non necessariamente in forma letteraria – fino al presente. «AOQU» è dunque aperta a contributi di carattere scientifico in Italiano, Inglese, Francese, Spagnolo, sul ruolo dell’epica (come genere o come registro) nei differenti sistemi culturali, e prevede anche numeri monografici su specifici aspetti e questioni.
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Italo Svevo e le ugge del "padre" dell'"Orlando furioso": senilità e follia nell'"Ariosto governatore"
Il contributo analizza la “funzione Ariosto” all’interno di un incompiuto lavoro teatrale giovanile di Italo Svevo. Il testo, in genere poco studiato, è di significativo interesse ai fini dell’indagine sulla vitalità dell’autore dell’Orlando furioso ben oltre il suo tempo storico. L’analisi, dopo aver focalizzato la sofferta storia editoriale del frammento, enuclea i temi cruciali che questo primo esperimento letterario di Svevo recupera, rileggendoli in una chiave originale e personale, dal grande poema ariostesco e dalle cosiddette sue opere minori.
Un Omero "ragionato": alcuni aspetti di riforma poetica nella traduzione dell'"Iliade" di Melchiorre Cesarotti
Il presente contributo si propone di mettere in luce alcuni aspetti traduttivi e teorici dell’immenso (e ancora poco approfondito) lavoro svolto da Melchiorre Cesarotti sull’Iliade: al di là della riscrittura de La Morte di Ettore (1795), questo ha avuto come esito due edizioni in dieci tomi del poema (Penada, 1786-1794; Brandolese, 1798-1802) comprendenti un Ragionamento preliminare, un eccezionale apparato di note e due distinte traduzioni, di cui una letterale in prosa e una “bella infedele” in versi, volta a restituire l’Iliade che Omero avrebbe scritto se fosse vissuto nel Settecento. Delle principali tendenze riformatrici confluite in questa versione poetica l’articolo intende offrire una panoramica, in particolare, degli interventi mossi da un’istanza di razionalizzazione, sia sul piano linguistico (nel rifiuto degli stilemi più arcaici della lingua omerica), sia su quello poetico (la questione della verosimiglianza e del “mirabile”) e retorico (in particolare, il trattamento delle similitudini).
La voce ritrovata: momenti di emersione dell’io nel "Mondo creato". Alcune note sulla grammatica chiaroscurale del poema esameronico tassiano
La composizione del Mondo creato si configura, per Tasso, non solo quale cimento nel versante della poesia sapienziale, ma determina anche la ridefinizione della figura del poeta: a fronte della postura tendenzialmente defilata adottata dal poeta della Liberata, si presenta ora al lettore un poeta disposto, a più riprese, a prendere la parola per fornire indicazioni sul proprio agire poetico. Il silenzio, inusuale per Tasso, in sede teorica circa la natura di questa nuova poesia impone di rivolgere lo sguardo proprio ai luoghi di emersione della voce del poeta nel tentativo di definire le coordinate della poesia del Mondo creato. L’analisi di questi luoghi – ora i proemi, ora le similitudini, ora le sezioni di transizione – offre il ritratto di una grammatica chiaroscurale, frutto della presenza di norme esplicitamente rivendicate, ma costantemente sottoposte alla tensione derivante dalla loro paventata o sottaciuta, ma mai aprioristicamente respinta, infrazione.
Sopravvivenza e polisemia di un'immagine: la caccia al cervo nei poemi epico-cavallereschi
Il contributo intende studiare due precise declinazioni della similitudine della caccia al cervo nell’ambito del genere epico-cavalleresco. Per quanto concerne quello d’ascendenza erotica, spesso il topos è associato a figure femminili nella doppia accezione di soggetto-amante ferito dalla freccia amorosa oppure di oggetto-amato che fugge, inseguito da famelici veltri. Di diversa natura è l’impiego del simbolo nel contesto militare: il referente collettivo (uno dei due eserciti coinvolti nella battaglia) viene descritto in tutta la sua vulnerabilità e passività poiché è ritratto come una cerva che fugge davanti al leone (il guerriero che guida l’armata nemica) che ne ha straziato i cuccioli. Tale indagine inedita dimostrerebbe non solo l’effettiva presenza di una costante tematica e simbolica che contraddistingue il genere ma, soprattutto, la contiguità, spesso problematica, fra i due ingredienti del poema epico-cavalleresco del XVI secolo: le armi e gli amori.
Sulle orme di Rinaldo. Per una storia del personaggio nei poemi cavallereschi italiani
I personaggi dei poemi cavallereschi sono parte di una tradizione secolare che ne ha così ben definito le caratteristiche da farli diventare caratteri fissi, portatori di valori, pregi o difetti condivisi e universali. Rinaldo è il cavaliere ribelle, guascone, ladro e sempre pronto ad alternare l’impresa militare a quella amorosa; Orlando è il miles Christi, casto e integerrimo, devoto alla causa; Astolfo è il cavaliere bello e buffone. Se però queste lunghe vite di finzione si analizzano in una prospettiva diacronica, si può osservare che, pur mantenendo una fisionomia riconoscibile, i personaggi abbiano subito dei cambiamenti, si siano evoluti e la loro semplicità sia diventata man mano complessità. Tra i personaggi più famosi della tradizione, Rinaldo è quello che meglio si adatta a questa analisi perché le sue avventure hanno assunto un ruolo fondamentale nello sviluppo dei romanzi italiani in ottava rima: dalla seconda metà del Quattrocento e per tutto il Cinquecento. Per costruire la storia del personaggio si è quindi setacciato un corpus letterario nel quale individuare quali tratti componenziali sono mantenuti, quali modificati e quali abbandonati. La selezioni di testi cavallereschi comprende i Cantari di Rinaldo da Monte Albano, il Morgante di Pulci, la Morte del Danese di Cassio da Narni, l’Antheo gigante e i Triomphi di Carlo di Francesco dei Lodovici.
Paradigmi eroici nella cosiddetta "Ilias Latina"
La cosiddetta Ilias Latina rappresenta un testo di notevole interesse in termini di intertestualità. Oltre a considerazioni generali circa il giudizio di valore e la qualità del componimento, comunque un unicum nella carriera di un autore alle prime armi, gli studiosi vi hanno colto aspetti significativi dal punto di vista della caratterizzazione dei personaggi. Il presente studio mira a fornire una panoramica generale del profilo dei quattro più celebri eroi (Achille, Aiace Telamonio, Ettore e Ulisse), con l’intento di mostrare come ognuno di essi, benché saldamente ancorato alla gerarchia già omerica, offra spunti rilevanti quanto a variazioni del mito e al ricorso, da parte dell’autore, a più tradizioni. Il risultato dell’indagine sembra portare argomenti a favore di un’operazione complessiva che – nonostante i limiti oggettivi del poemetto – andrà valutata positivamente in fatto di rielaborazione dei modelli e consapevolezza letteraria, specie alla luce del clima culturale in vigore nel corso dell’età neroniana.
Il contributo propone un’intervista di Barbara Pollak-Lewis (BPL), pittrice, curatrice di mostre ed educatrice d’arte di San Francisco (CA) a Nina Paley (NP), fumettista, animatrice e attivista della libertà culturale dall’Illinois (USA). Nina si è affermata come disegnatrice, e spesso anche come scrittrice, del fumetto Nina’s Adventures and Fluff, dopo il quale ha lavorato soprattutto nell’animazione. È nota soprattutto per il lungometraggio animato del 2008 Sita Sings the Blues, basato sul Ramayana, con parallelismi alla sua vita personale. Nel 2018 ha portato a compimento il suo secondo lungometraggio, Seder-Masochism, una rivisitazione del libro dell’Esodo come patriarcato che emerge dal culto della dea. Barbara ha studiato Animation alla Rhode Island School of Design e ha seguito le realizzazioni di Nina sin dalla fine degli anni Ottanta.
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Spunti di genere nei videogiochi dai tratti epici: dall’archetipo dell’eroe ai viaggi delle eroine
Il presente articolo vuole indagare la nuova eredità dell’epica nei videogiochi in ottica di genere con il fine di comprendere quali elementi siano stati mantenuti e quali si siano trasformati in base a nuovi schemi e percezioni relativi all’identità. Per farlo, verranno analizzati comparativamente alcuni casi di studio: God of War (2018), Horizon Zero Dawn (2017), Hellblade. Senua’s Sacrifice (2017) e The Last of Us (2013). L’analisi è costruita a partire dal concetto di monomito elaborato da Joseph Campbell nel volume L’eroe dai mille volti (1949), ovvero un modello comune e reiterato che caratterizza il viaggio dell’eroe. Si esplorerà quindi il viaggio dell’eroe in God of War e The Last of Us, per poi paragonarlo ai viaggi delle due eroine protagoniste di Horizon e Hellblade. Verrà pertanto esaminata la costruzione del personaggio secondo alcuni elementi delineati da Campbell per tracciare i nuovi sviluppi dell’eroe o eroina nel settore videoludico.
Donne e storie tradizionali nella seconda ondata del femminismo
Questo articolo esamina la riappropriazione delle storie tradizionali – miti, fiabe e epica – da parte delle artiste del femminismo della seconda ondata, con un approfondimento sul lavoro interdisciplinare di Joan Jonas. Le storie popolari sono state spesso criticate dal femminismo per il modo in cui rappresentano le donne e il loro destino. Sebbene vi sia un’immensa varietà all’interno di questi generi, i racconti sono stati spesso percepiti come maschiocentrici; le donne sono assenti o esistono solo al servizio dei protagonisti maschili. È quindi sorprendente trovarli come oggetto di lavoro delle femministe della seconda ondata. Eppure, durante questo periodo di trasformazione, segnato da sperimentazione, attivismo e autorealizzazione, le artiste e le scrittrici femministe hanno attinto a piene mani da queste storie, esplorando le tensioni e le possibilità che offrivano. Le artiste femministe, come Jonas, hanno partecipato al cambiamento radicale all’interno delle arti e alla generazione di nuove forme, in particolare alla proliferazione della performance artistica. Influenzate dal post-strutturalismo, strutture interdisciplinari innovative hanno destabilizzato i significati e illuminato la complessità e l’ambiguità dei racconti. La varietà degli approcci evidenzia la differenza delle posizioni e delle sensibilità all’interno del femminismo della seconda ondata e le molte contraddizioni insite nel movimento, che hanno influenzato in modo significativo sia l’arte che la società contemporanea.
“Ta’zieh” femminile: la rottura del rigido muro maschile da parte delle donne iraniane nella dinastia Qajar
Durante la dinastia Qajar (1779–1955), il Ta’zieh – la rappresentazione epica di narrazioni religiose – ha rappresentato una opportunità storica per le donne iraniane di trascendere le strutture patriarcali e estendere i propri ruoli sociali attraverso l’impegno con i miti religiosi. Questo articolo esplora il modo in cui il Ta’zieh abbia permesso la formazione di un identità femminile unica, dimostrando come le donne abbiano utilizzato la cornice religiosa per sfidare e oltrepassare le restrizioni, prendendo parte a queste performances epiche. L’attenzione si concentra sugli indicatori chiave che hanno facilitato l’ingresso delle donne nel teatro e sul più ampio impatto che questi sforzi hanno avuto sulle loro vite.
La rappresentazione dei personaggi femminili nella traduzione dell'"Odissea" di Butler: un approccio corpus-based
In The Authoress of the Odyssey (1897), Samuel Butler sviluppò un’intuizione particolarmente controversa sull’autorialità del poema. Nelle sue analisi, egli giunse alla conclusione che la stessa persona non poteva aver creato l’Iliade e l’Odissea: mentre la prima era stata indubbiamente scritta dal poeta greco maschio Omero, la seconda doveva essere considerata come un’opera di accompagnamento dell’Iliade ed era invece opera di una donna «young, headstrong, and unmarried» (come recita il titolo del suo capitolo VII) della Magna Grecia, più precisamente di Trapani, in Sicilia. Questa teoria si basava sul presupposto che i personaggi femminili nell’Odissea sono ritratti con favore, mentre i personaggi maschili sono relativamente trascurati. Le traduzioni in prosa di Butler dell’Iliade e dell’Odissea ebbero un grande successo e vengono consultate ancora oggi; tuttavia, le sue opinioni sulla paternità delle opere di Omero furono duramente criticate all’epoca. Lo scopo di questo lavoro è esplorare in che misura la teoria di Butler abbia influito sulla sua traduzione dell’Odissea, analizzando la sua rappresentazione dei personaggi femminili attraverso le collocazioni («word sketches»); a tal fine, sarà adottato come disegno di ricerca per questo studio un approccio che combina la corpus linguistics, la corpus stylistics e la translational stylistics. Questo studio analizza il testo di arrivo per capire come il genere viene rappresentato e recepito attraverso le scelte linguistiche.
A Reading for her. Omero letto da Alma-Tadema, tra innovazione iconografica e ricezione della cultura greca nell’Inghilterra vittoriana
Il presente contributo si propone di analizzare il dipinto A Reading from Homer di Lawrence Alma-Tadema (1885, Philadelphia Museum of Art) puntando l’attenzione sull’innovazione iconografica che rielabora il tema ottocentesco del rapporto tra Omero e il suo pubblico in relazione alla ricezione della cultura greca e della questione omerica nell’Inghilterra vittoriana utilizzando una prospettiva di genere. L’articolo ricostruisce le vicende legate alla realizzazione del dipinto e le sue fonti, soffermandosi sui singoli personaggi che compongono il pubblico in ascolto della lettura da Omero e, in particolare, si indaga il ruolo della fanciulla al centro del quadro. Quale visione del pubblico femminile dell’epica e di Omero era concepita nell’Inghilterra vittoriana e quale interpretazione propone, di quel contesto, Alma-Tadema con il suo dipinto? Inoltre, il contributo approfondisce le questioni relative alle trasformazioni dell’arte e del gusto nel secondo Ottocento, esamina la metamorfosi del dipinto di storia e della sua ibridazione con la pittura di genere, il tema della lettura femminile e della lettura ad alta voce, nonché l’ambiguità con cui Alma-Tadema stesso guarda all’universo femminile e alla sua rappresentazione.
La dimensione femminile della letteratura mitologica per l’infanzia in Italia
La mitologia per l’infanzia in Italia ha una storia letteraria ed editoriale piuttosto recente: il primo libro di questa tipologia fu pubblicato nel 1911 ed era Storia delle storie del mondo di Laura Cantoni Orvieto. Da allora i libri di miti per giovani lettrici e lettori si sono moltiplicati e hanno conosciuto una buona affermazione. Va notato che questa forma di narrazione per l’infanzia ha avuto le donne-scrittrici come principali protagoniste della sua creazione e diffusione. Oltre alla già menzionata Cantoni Orvieto – che è una figura molto importante della letteratura italiana per l’infanzia – vanno segnalate Luisa Banal, Mary Tibaldi Chiesa, Rosa Calzecchi Onesti e, ai nostri giorni, Beatrice Masini. Queste autrici riuscirono a valorizzare la dimensione femminile della mitologia, ridando voce alle donne, alle eroine e alle dee dei racconti ancestrali che, per lungo tempo, sono state poste ai margini di quelle antiche storie. Inoltre, anche un autore per l’infanzia molto importante come Gianni Rodari, attraverso i miti, ha saputo parlare della necessità dell’emancipazione femminile.
Serate per famiglia: il pubblico popolare femminile e gli spettacoli cavallereschi
Negli spettacoli pubblici di argomento epico-cavalleresco, la presenza femminile è attestata tra le donne di alta estrazione sociale ma assai meno tra il pubblico popolare: una semplice questione statistica, legata alla scarsità di testimonianze sopravvissute, o un’indicazione più significativa? Nell’intervento si cerca di rispondere a questa domanda attraverso un parallelo tra la ricezione delle narrazioni cavalleresche del XV-XVI secolo e gli spettacoli popolari dell’Italia meridionale del XIX-XX secolo che mettono in scena le imprese dei paladini (cantarinaldi, cunto, opera dei pupi). Anche tra epoche così distanti, infatti, i punti di contatto nella ricezione delle storie cavalleresche sono moltissimi, e permettono di mettere l’accento, da un lato, sulla tendenza a percepire lo spettacolo epico-cavalleresco come uno spazio “privato” del pubblico maschile (in cui poteva abbandonarsi al sentimento e a particolari meccanismi identificativi), dall’altro, al contrario, sull’amore incondizionato che le donne, se appena ne avevano la possibilità, sviluppavano per questo universo narrativo.
«Donne io vel dico da parte de Orlando». Appunti sulle lettrici del poema cavalleresco nel Cinquecento
Nel proemio del canto diciottesimo dell’Hercole, Giovan Battista Giraldi Cinzio si rivolge alle «donne gentili». Le ottave che seguono raccontano un «lascivo amore, e fiamme scelerate»; ma l’intento, avverte l’autore, non è quello di macchiare la loro fede, definita poco dopo inviolabile, bensì quello di definire un vizio da non seguire. La narrazione vuol porsi come exemplum e il proemio viene eletto a forma di dialogo. Quello del Cinzio non è il solo caso all’interno della produzione cavalleresca cinquecentesca in cui l’autore, attraverso formule allocutorie, si rivolge alle proprie lettrici. Infatti, a fargli compagnia è una serie di testi che segue il solco tracciato, dai cantari, da Boiardo, dal Furioso di Ludovico Ariosto: da La morte del Danese di Cassio da Narni all’Angelica innamorata di Vincenzo Brusantini, fino al più noto Amadigi di Bernardo Tasso. Ciascuno di essi instaura un dialogo con il pubblico di genere femminile, che sia esso nobile o indefinito, non più esclusivamente dedito a lavorar con «l’ago e ’l panno».
Oltre l'involucro del racconto: Angelica in fuga e Angelica in cammino nell'"Orlando furioso"
Tradizionalmente interpretata come donna volubile e perennemente in fuga, come metafora dell’irraggiungibilità dei desideri e come ingranaggio narrativo che viene disattivato una volta esaurita la sua funzione di innesco della follia di Orlando e degli altri cavalieri, la figura di Angelica si presenta, nell’Orlando furioso, anche come personaggio dotato fin da subito di una specifica dimensione desiderante. Il saggio prende dunque in considerazione il doppio statuto di Angelica, al contempo donna-oggetto esposta alla concupiscenza dei cavalieri, gradualmente privata della possibilità di muoversi, di celare il proprio corpo e di decidere in modo autonomo, e individuo che già dall’esordio del poema è titolare, al pari degli altri personaggi, di una propria inchiesta, per quanto paradossale: uscire dal poema, e sottrarsi così a un universo narrativo che la condanna, appunto, al ruolo di preda e di ricompensa. Il saggio considera inoltre la possibile ricezione di questa “doppia Angelica”, allo stesso tempo oggetto e soggetto di desiderio, nelle illustrazioni delle edizioni cinquecentesche del poema.
Perdere la testa. Le figure esemplari di Isabella e Bradamante e il loro pubblico
Il saggio affronta l’aspetto della rappresentazione del femminile nell’Orlando furioso che riguarda la condotta sessuale e la castità. Al centro del mio lavoro c’è la lettura di una serie di episodi appartenenti a gruppi di canti adiacenti: le vicende speculari e congiunte di Angelica ed Olimpia nei canti VIII-XII e la storia di Isabella nel canto XIII; la morte di Isabella per mano di Rodomonte nel canto XXIX, e la vendetta che di lei farà Bradamante nel canto XXXV. Le figure di Isabella e Bradamante costruiscono l’immagine di donne bellicose e autosufficienti nel perseguire la castità. Per il pubblico femminile, le due figure costruiscono la possibilità di conservazione autonoma di una condotta onesta, immune dalla maldicenza e dal sospetto; per gli uomini, il loro esempio rassicura sulla certezza della discendenza. Sullo sfondo si intravedono anche le guerriere pagane, prima fra tutti Rovenza, che porta nella sua storia il nodo della castità e della riproduzione.
«A vostro onor di questo libro è il fine». Le donne negli appelli al pubblico dell’“Inamoramento de Orlando”
Il saggio percorre i tre libri dell’Inamoramento de Orlando mostrando come gli appelli del narratore al suo uditorio cambino e, in particolare a partire dalla metà del secondo libro, inizino a includere in modo esplicito una componente di pubblico femminile. Questa novità viene messa in relazione con gli effettivi cambiamenti interni alla corte ferrarese nella seconda metà del Quattrocento (in particolare con l’arrivo di Eleonora d’Aragona nel 1473) e con l’intento boiardesco di proporre l’ambiente estense come modello morale e politico. Grazie a un paragone con i riferimenti al pubblico nel Furioso, poi, viene confermata l’unicità della postura del narratore dell’Inamoramento.
«E pende ancora dalla bocca del narrante»: la Didone virgiliana, un’eroina epica appassionata di poemi (e le suggestioni di questo modello nella Francesca bibliofila di Dante)
La Didone virgiliana viene qui riletta in una chiave non convenzionale rispetto allo stereotipo di folle d’amore che ha abitualmente avvolto la sua fama. Se ne ridiscute alla luce di una rappresentazione fin qui poco valorizzata dalla critica: quella di accanita fan dell’epica classica. È questa mania per i miti degli eroi che la induce a supplicare Enea di narrarle la sua vita avventurosa. Il racconto del reduce dalla guerra di Troia è la scintilla che fa scoppiare in lei la già latente passione erotica. Questo archetipo potrebbe essere alla base, come si prova a dimostrare alla fine del saggio, della costruzione dantesca della figura di Francesca, annoverata tra quella schiera di lettrici forti di storie di eroi che trasferiscono nella vita reale quanto appreso dai prodotti della fantasia letteraria.
«Imitando i prischi atleti». Antico e moderno nei “Giuochi Olimpici” in Arcadia
A partire dagli studi di Bilinski sui Giuochi olimpici in Arcadia, l’articolo si propone di approfondire le prime edizioni della competizione, fondamentali al fine di comprendere la costruzione dell’ideale arcadico di miglioramento del passato, calato nella contemporanea querelle des anciens et des modernes. Attraverso lo studio del materiale manoscritto conservato presso la Biblioteca Angelica, tutt’ora in gran parte inedito, viene ricostruita la prima edizione dei Giuochi, celebrata nel 1697, e poi stampata con significative variazioni all’interno dell’Arcadia crescimbeniana (1708). Successivamente, tramite il confronto con le stampe successive, vengono sottolineati i punti di continuità e di cambiamento, con lo scopo di evidenziare come la competizione costituisca un punto di vista privilegiato al fine dello studio dei rapporti del consesso con il contesto della Roma curiale.
Variae - L’antichità nello specchio dell’Arcadia: lingua, poesia, arti
«In versi latini all’improviso composti»: primi appunti per una storia della poesia estemporanea latina in Arcadia
Nel delineare un profilo della poesia estemporanea in latino in Arcadia, con particolare attenzione ai custodiati di Crescimbeni (1690-1728) e Morei (1743-1766), il saggio propone un’analisi dettagliata della documentazione, in parte già nota in parte sommersa, per puntare l’attenzione su alcuni testi latini estemporanei degli arcadi Antonio de’ Felici, Antonio Somai, Antonio Re da Roma e Pietro Antonio Petrini, giunti a stampa; di questi si fornisce l’edizione, la traduzione e un commento delle fonti. Infine, rilevata l’eccezionalità e l’importanza di queste testimonianze – di cui si segnalano anche altre manoscritte, oggetto di lavori in corso – lo studio vuole riflettere sulle modalità di circolazione e fruizione della poesia estemporanea, pur nella difficoltà oggettiva di inquadrare il fenomeno nella sua interezza.
Sul Palatino. Dal regno di Evandro alla Repubblica d’Arcadia
Il manoscritto 16 dell’Accademia dell’Arcadia contiene una Genealogia e un Albero Genealogico dei Re d’Arcadia. Le carte risalgono, con tutta probabilità, ai primi anni di vita dell’Accademia, ossia al periodo in cui gli Arcadi stavano scrivendo una succinta storia d’Arcadia, in cui ripercorrevano le tappe attraverso le quali si era strutturata come una Repubblica a partire dalle sue origini leggendarie, ovvero da quando Evandro era giunto sul Palatino insieme agli Arcadi fuggiti dalla loro terra. La riforma del tempo e la creazione di una Efemeride di ispirazione greca, così come il ricordo del culto dei numi indigeti, rispondono entrambi all’istanza dei fondatori di dare al consesso una prestigiosa origine mitologica. Una tale eredità non tardò a manifestarsi nella prosa e nella poesia dell’Accademia, soprattutto in quei componimenti che gli Arcadi lessero presso il Bosco Parrasio sul Palatino, luogo in cui arrivarono, al pari di Evandro, dopo varie peregrinazioni e dove avrebbero promulgato le Leges nel 1696.
Il saggio presenta la sezione dedicata a L'antichità nello specchio dell'Arcadia: lingua, poesia, arti
Ossian sessant’anni dopo Cesarotti. Una traduzione di “Oinamora” da Giovanni Torti (1825)
La traduzione cesarottiana delle Poesie di Ossian risaputamente introduce in Italia alcuni stilemi, immagini e movenze linguistiche che saranno poi il seme della nuova sensibilità romantica. Nel 1825 Giovanni Torti, poeta di formazione pariniana “convertitosi” poi al Romanticismo, pubblica la traduzione di uno dei meno noti poemi epici dell’Ossian: Oinamora. Il testo base della traduzione non sarà però quello inglese di Macpherson, come per Cesarotti, bensì una più tarda traduzione latina di area inglese (1807), pubblicata con il testo a fronte di quello che vorrebbe essere l’originale celtico. L’articolo intende confrontare le due traduzioni (Cesarotti 1772 - Torti 1825) per metterne in luce le differenti scelte metriche, stilistiche e linguistiche, e per ragionare sui diversi modelli epici di riferimento; nel tentativo di restituire un’istantanea dello sviluppo del nuovo gusto poetico italiano, osservato a sessant’anni di distanza da quel fenomeno letterario unico che fu la pubblicazione delle Poesie di Ossian tradotte dall’abate Melchiorre Cesarotti.
D’après ou après l’antique? L’“Hermès” et “L’Amérique” d’André Chénier ou l’épopée au risque de la philosophie
Poète du retour à l’antique qui investit l’Europe à la fin du XVIIIe siècle, André Chénier est aussi l’auteur de deux épopées «modernes», l’Hermès et L’Amérique, où il voyait son entreprise majeure. Sous sa plume, l’épique devient une exploration du savoir, sans se confondre pour autant avec la poésie didactique. Porteuses d’une visée philosophique héritée des Lumières, les deux œuvres déplacent les frontières du genre, en redéfinissant potentiellement ses contenus et ses codes. Potentiellement, puisqu’elles sont restées l’une et l’autre à l’état de chantier, preuve s’il en est des contradictions où elles sont enserrées, ce qui les rendait peut-être irréalisables. En effet, si l’objectif du poète est résolument moderne, la référence aux textes de l’Antiquité reste incontournable à ses yeux, comme modèles génériques et sources d’inspiration dont les modernes ne laissent pas d’être tributaires. L’épopée antique se prête-t-elle à définir l’épos auquel la modernité aspire?
La «stupenda macchina volante»: l’“Areostiade” di Vincenzo Lancetti tra modernità e recupero dell’antico
Le prime esperienze con i palloni aerostatici dei fratelli Montgolfier, avvenute nel 1783, ovvero negli ultimi anni dell’ormai spirante ancien régime, non mancarono di catturare l’attenzione dell’opinione pubblica: artisti e letterati contribuirono a diffondere la fascinazione per la nuova invenzione grazie alle loro stampe, osservazioni tecniche sul volo, opere letterarie. In Italia Vincenzo Monti celebrerà il «volator naviglio» nella sua ode Al signor di Montgolfier. Un altro letterato, Vincenzo Lancetti (1766-1851), membro dell’Accademia dei Trasformati, allievo di Giuseppe Parini e in rapporti con lo stesso Monti, Ugo Foscolo, Carlo Porta, dedicherà all’ascensione aerostatica un intero poema, l’Areostiade (1803). Questo intervento si propone di leggere il poema lancettiano prestando particolare attenzione alle scelte stilistiche dell’autore, che dimostra di saper trattare le conquiste dell’immaginario e del progresso guardando anche alla tradizione classica, utile serbatoio di immagini mitologiche e modello formale per i momenti più alti dell’opera.
Sulle modalità e sulla cronologia della versione montiana dell’“Iliade”: le prime prove conosciute in vista dell’“editio princeps”
Sulla scorta dello studio mirato delle varianti genetiche dagli abbozzi di versione poetica consegnati all’autografo della lezione pavese sul libro X dell’Iliade, si ricostruisce l’orizzonte “pragmatico” della ricezione omerica di Vincenzo Monti nei primi anni dell’Ottocento sia rispetto agli antecedenti di Samuel Clarke e di Melchiorre Cesarotti sia rispetto alle istanze “neoclassiche” parallele e complementari di Ugo Foscolo, con nuove acquisizioni e spunti di riflessione per la cronologia aggiornata dell’intero volgarizzamento in vista della princeps (Brescia, dai torchi di Nicolò Bettoni) del 1810-1811.
Note sul riuso dell’epica classica nella poesia del secondo Settecento. Il "Giorno” di Parini e gli “Amori” di Savioli
L’intervento propone una riflessione sulle riprese dell’epica classica nella poesia del secondo Settecento attraverso un’indagine sulla ricontestualizzazione di motivi e immagini negli Amori di Savioli e nel Giorno di Parini. In un secolo in cui il genere fu molto poco praticato si assistette tuttavia a un massiccio recupero della classicità non soltanto sotto l’aspetto linguistico e sintattico, ma anche tematico, con frequente ripresa di immagini mitologiche. Entro questo quadro lo studio condotto ha cercato di individuare le forme di recupero e di riuso dell’epica classica, spesso identificabili con la ripresa di scene risemantizzate in chiave non solo più comunemente encomiastica, ma anche ironica e satirica, o ancora metaforica, talvolta impiegate per impreziosire scene di marcato gusto settecentesco.