Connessioni remote. Artivismo_Teatro_Tecnologia
Rivista di Classe A per i settori scientifici 10/PEMM-01 e 14/GSPS-06 del Dipartimento di Beni Culturali e Ambientali diretta da Anna Monteverdi e Laura Gemini sul rapporto tra tecnologia, arte visiva e teatro in un'ottica di artivism. Si ispira alla pratica tecno-politica di Giacomo Verde .
Giacomo Verde - Diario di Storie Mandaliche 2.0
L'arte è inutile come una cannuccia annodata
© Redazione Connessioni Remote 2025 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Storie Mandaliche. Il passaggio a Flash Mx e l’introduzione del 3D
© Lucia Paolini 2025 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
La difficoltà di fare memoria. Intervista a Giacomo Verde di Daniela Ielasi (2010), Archivio Giacomo Verde
Intervista a Giacomo Verde di Daniela Ielasi (2010), Archivio Giacomo Verde
Interview with Nicolas Gaudelet, technical director of Miguel Chevalier's studio and Voxel Production
© Chiara Giulia Toscani 2025 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Potenzialità e disavventure della drammaturgia multimediale in Italia. Dialogo tra Anna Maria Monteverdi e Andrea Balzola
Dialogo tra Anna Maria Monteverdi e Andrea Balzola
© Anna Maria Monteverdi 2025 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Editoriale: Archivi, Suoni, Videogame e Intelligenza artificiale nel cinema
Editoriale Connessioni Remote n. 9/2025
Saggi per la call-sezione sottoposta a peer review
© Laura Gemini, Anna Maria Monteverdi 2025 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Counter-Surveillance Art in the Age of Platform Capitalism: Critical Complicity or Radical Exteriority?
Contemporary surveillance regimes no longer rely on concealment but operate through hypervisibility, subsuming subjects into networks of algorithmic governance where exposure functions as a mode of control. The present article interrogates the aesthetic and political stakes of artistic resistance to platform capitalism’s algorithmic governance, examining the shift from critical complicity – where artists tactically repurpose surveillance technologies from within – to radical exteriority, an aesthetic strategy that seeks to evade incorporation into surveillance systems altogether. Drawing on media theory, digital aesthetics, and platform studies, the contribution discusses how contemporary artistic interventions engage, subvert, or evade algorithmic governance. It includes a discussion of works by Hito Steyerl, Paolo Cirio, Trevor Paglen, James Bridle, and Holly Herndon, and explores whether counter-surveillance aesthetics can generate true resistance or risk assimilation into predictive systems, arguing that while artistic subversion often reinforces surveillance capitalism’s logics, emergent strategies – tactical illegibility, algorithmic obfuscation, and infrastructural reconfiguration – may offer new avenues of resistance. Ultimately, the paper situates counter-surveillance art within a broader critique of digital capitalism, questioning whether contemporary aesthetics can carve out zones beyond algorithmic capture or remain ensnared in the infrastructures they seek to contest. The future of artistic resistance, it contends, hinges not on critique alone, but on the speculative construction of post-surveillance paradigms.
© Massimiliano Raffa 2025 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Arte telematica: il caso italiano. PostMachina, MIDⱯ e Tempo Reale prima e dopo la XLII Biennale di Venezia
Il caso italiano dell’arte telematica è scarsamente documentato negli studi di settore. Le esperienze di PostMachina, MIDⱯ e Tempo Reale, avviatesi a Bologna, Milano e Calcata (Viterbo) tra il 1983 e il 1986 risultano infatti pressoché assenti dalla letteratura internazionale e poco approfondite anche in Italia. Alla luce dei materiali d’archivio, il presente contributo prende in considerazione le sperimentazioni dei tre gruppi, al fine di rintracciare le cifre espressive; i contatti registrati con alcuni esponenti della scena artistica coeva; l’attenzione di figure della critica quali Maria Grazia Mattei; le partnership culturali, dal Centre Pompidou ad Ars Electronica; aziendali, dalla RAI alla Italcable; nonché politiche, con le principali istituzioni comunitarie del tempo. Se PostMachina enfatizza la variabile dell’intervento umano nel processo tecnico, MIDⱯ sviluppa una neolingua ideografica per la civiltà telematica, mentre Tempo Reale opera con particolare attenzione alle istanze di pace, solidarietà femminile e per l’integrazione dei luoghi esclusi dal network globale. Queste ricerche, prima e dopo il maggiore riconoscimento istituzionale dell’arte telematica alla XLII Biennale di Venezia, delineano un versante dell’operatività estetica nazionale – intrinsecamente e idealmente transculturale – suscettibile di un riposizionamento critico nella fenomenologia dell’arte della comunicazione.
© Tatiana Basso 2025 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Per un ascolto trans-corporeo: sulla performatività acustica di Christine Sun Kim
L’ascolto, storicamente modellato da paradigmi udenti e sistemi audio-fonocentrici, viene ripensato attraverso le epistemologie Sorde come performatività trans-corporea, oltre la mera competenza cocleare o l’articolazione di un suono dato. Nel lavoro dell’artista Sorda Christine Sun Kim, il suono si configura come intreccio di intensità tattili, correnti affettive, vettori dello sguardo, pattern di frequenze che plasmano la sfera acustica in una commistione di vibrazioni, movimenti, odori e variazioni di temperatura e vettori discorsivi. Integrando Deaf, Sound e Performance Studies con il neomaterialismo ecocritico, le dinamiche dell’ascolto vengono osservate come co-emergenza di corpi, materie vibranti e saperi incarnati in relazioni intra-agenti. La soggettività che “sente” non si limita a inserirsi nell’entanglement delle cose, ma vi partecipa modulando e venendo modulata da pressioni, sfioramenti, tocchi, discorsi e pratiche di resistenza e riparazione. In questo contesto, l’ascolto diventa un con-vibrare, una pratica etico-politica capace di sfidare posizioni audiste, gerarchie sensoriali e barriere del suono, all’interno di un orizzonte di «giustizia acustica» che richiede di costruire, ridefinire e contestare valori e norme.
© Piersandra Di Matteo 2025 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Rabih Mroué. Una pratica tra teatro e arti visive
La pratica di Rabih Mroué (1967, Beirut), utilizzando tecniche e media diversi, si pone all’intersezione tra arti visive e teatro, sfidando gli strumenti tradizionali di entrambi. Le opere dell’artista raggiungono il pubblico con una postura impegnata e la sua ricerca spesso prende abbrivio dalla storia recente del Medio Oriente e in particolare del Libano, con avvenimenti come la guerra civile tra il 1975 e il 1990 o il conflitto con Israele dal 1982. La rappresentazione della guerra e della morte hanno spesso un ruolo centrale nelle opere di Mroué. Affascinato dai meccanismi della comunicazione e della rappresentazione nel teatro, nel cinema, nella fotografia, ma anche nei mass media, nell’era di internet e dei social media, a emergere dalla sua ricerca sono spesso triangolazioni e cortocircuiti tra questi strumenti, il loro rapporto con narrazione istituzionale e contro-narrazione, la relazione tra realtà e finzione. Attraverso l’analisi di alcune sue opere, l’articolo intende rilevare l’attitudine di Mroué nell’offrire al pubblico riflessioni sempre acute, volte a evidenziare l’ambiguità delle immagini e dei meccanismi della comunicazione, a proporre spunti di riflessione, mai posizioni determinate. Ciò che l’artista intende stimolare con la sua opera sono infatti visioni critiche che non cerchino mai di ridurre la complessità.
© Arianna Lasca 2025 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
It’s a Kind of Magic (or not)? Ai’s technological imaginary and the symbolic structures of fashion narration.
This paper delves into the dynamic relationship between imaginary and technology in the era of Artificial Intelligence, illustrating how AI’s technological imaginary is not an independent entity but rather a product of the creative process inherent in the social imaginary. Additionally, it explores how the symbolic structures of socio-cultural imaginary contribute to shaping the imaginary realms of AI. The widespread integration of generative AI in fashion has introduced visual AI, offering new avenues for creative expression while challenging the construction of the sector’s imaginary landscape (Banerjee et al. 2022). This prompts critical inquiries: to which extent fashion narratives have become the nourishment of AI? What innovative narrations does AI introduce? How is AI influencing traditional perceptions of the body and beauty? Comparing 882 covers from Vogue Italia Digital Archive (1964-2024) with visuals from the AI-produced fashion magazine Copy (August 2023 onwards), this research analyzes representations and narratives to determine if AI perpetuates or subverts beauty and gender stereotypes, and how the normativity of fashion influences AI's visual output.
© Michele Varini, Eleonora Noia, Silvia Mazzucotelli Salice 2025 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Revolutionizing Cinema. How AI is Democratizing Production and Deepening Creative Content
This article explores how artificial intelligence (AI) is reshaping the landscape of film and video production, with particular attention to gender and geographical inclusivity. By analyzing recent innovations across the entire production pipeline, from scriptwriting and directing to post-production and distribution, it highlights how AI tools reduce barriers of entry and redefine creative labor. A special focus is given to China’s role in advancing generative AI technologies, especially through open-source and low-cost platforms that make professional-grade video tools accessible to independent creators. The article also examines the gendered implications of these changes, considering how AI can support female filmmakers by easing time constraints, offering flexible workflows, and potentially mitigating some of the industry’s long-standing structural inequalities. While AI presents significant opportunities for democratizing access and amplifying diverse voices, the article also addresses key ethical and creative risks, such as algorithmic bias, homogenization of content, and labor displacement. Drawing on recent case studies and policy developments, the article argues that for AI to truly foster inclusion and innovation, it must be developed and adopted with human values at its core, ensuring that technology empowers rather than replaces creative agency.
© Vincenzo De Masi, Siyi Li, Flavia Pessoa Serafim 2025 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
The Impact of Digital Visual content on the Human Brain & on the Perception of the Viewer
The study of how images affect the human brain and visual perception draws from neuroscience, psychology, and art. It investigates how visual content influences emotions, body responses, and thought processes. In the Electronic Era, theater has sought to create a mental space using technology, often making its language inseparable from the message and disconnected from its usual context. This article analyzes the effects of digital visuals and technology in theater on viewer perception. It looks at how images can trigger specific emotions and the influence of immersive, virtual, and interactive content on consciousness and physical responses. Images serve as stimuli that engage the mind, linking psychological reality with sensory and intellectual experiences. Viewing these images helps people access various emotions, as the brain combines them with past experiences and emotional patterns. Research shows that emotionally charged images activate the limbic system and prefrontal cortex in the brain. The potential for performing arts to evoke strong emotional responses through digital elements leads to profound experiences that go beyond time and space. Ultimately, images are potent tools that shape sensory and mental experiences in theater and art
© Mahnaz Esmaeili 2025 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
archivia. Nuove drammaturgie per trasmettere e trasformare un repertorio coreografico
archivia è un progetto di ricerca coreografica che intende trasmettere e trasformare il repertorio prodotto tra gli anni Ottanta e i primi Duemila dalla coreografa Monica Francia. Il progetto nasce nel 2021 dal desiderio di Zoe Francia Lamattina, artista e performer, figlia di Monica Francia. Il presente testo, scritto dal punto di vista della dramaturg del progetto, vuole mostrare come sia possibile fare un archivio di un repertorio coreografico senza anteporre i materiali scritti, registrati, fissati all’esperienza corporea, alla trasmissione corpo a corpo, alle narrazioni parziali e fittizie. L’archiviazione avviene quindi tramite la trasmissione, la ripetizione e la trasformazione di tutti i corpi coinvolti nel processo e del repertorio stesso, fino a risalire alla turbolenza originale che agita il passato e che apre ai futuri ancora possibili. Scardinando il principio patriarcale e parricida dell’archivio, la relazione tra generazioni e tra temporalità differenti rimane complessa e conflittuale, senza mai risolversi nel presente storico di una narrazione lineare e definitiva.
© Ida Malfatti 2025 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Introduzione al numero 8 di Connessioni Remote. Suono: la dimensione sonora del quotidiano tra arti visive, macchine, musica elettronica. Prospettive teoriche, pratiche e culturali (Vol. 2)
© Caterina Tomeo, Claudia Attimonelli 2024 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Introduzione al numero 7 di Connessioni Remote. Suono: la dimensione sonora del quotidiano tra arti visive, macchine, musica elettronica. Prospettive teoriche, pratiche e culturali (Vol. 1)
Editoriale ai numeri 7-8 di Connessioni Remote
© Anna Maria Monteverdi, Laura Gemini 2024 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Interventi di Giacomo Verde sulla mailing list WEB-CAM TEATRO del 2001
L’arte è inutile come una cannuccia annodata: "Fare un nodo a qualcosa è uno dei possibili modi utilizzati per “non dimenticare”. Quando si fa il nodo ad una cannuccia la si rende inutilizzabile (inutile come l’Arte). Ma diventa anche Arte proprio in quanto inutilizzabile per l’uso a cui era destinata, anche se utilizzabile come promemoria" (Giacomo Verde, progetto 150 KNOTS). La seguente sezione raccoglie articoli, recensioni a mostre, spettacoli e libri, interviste, interventi critici e omaggi d’artista fuori peer-review ma selezionati dal comitato editoriale. Il seguente documento è dedicato agli interventi di Giacomo Verde sulla mailing list WEB-CAM TEATRO del 2001.
© Redazione Connessioni Remote 2024 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Il blog di Giacomo Verde (2002-2003), con una prefazione di Anna Maria Monteverdi
L’arte è inutile come una cannuccia annodata: "Fare un nodo a qualcosa è uno dei possibili modi utilizzati per “non dimenticare”. Quando si fa il nodo ad una cannuccia la si rende inutilizzabile (inutile come l’Arte). Ma diventa anche Arte proprio in quanto inutilizzabile per l’uso a cui era destinata, anche se utilizzabile come promemoria" (Giacomo Verde, progetto 150 KNOTS). La seguente sezione raccoglie articoli, recensioni a mostre, spettacoli e libri, interviste, interventi critici e omaggi d’artista fuori peer-review ma selezionati dal comitato editoriale. Il seguente documento è una pubblicazione in formato PDF del blog di Giacomo Verde (2002-2003). Gli interventi del blog sono anticipati da una prefazione di Anna Maria Monteverdi dal titolo Liberate gli Archivi! Il blog di Giacomo Verde recuperato e i dati che marciscono da qualche parte in rete.
This contribution is meant to analyze the the techno-cognitive assemblages that streaming platforms are part of, and how streaming platforms create the conditions for a “physiognomy” of listening habits under the premises created by the automatic distributed listening on which their functioning relies. Considering the genealogy of digital music formats (Sterne, 2012), interrogating the retromaniac (Reynolds, 2011) re-mediations taking place within streaming platforms, looking at the shifts and clashes generated by automation (Reynolds, 2011; Burrows and O’Sullivan, 2018), and using noise theory and noise philosophy (Attali, 1985; Brassier, 2011; Malaspina, 2018; Mattin, 2022), this text will attempt to elucidate different non-sonic constraints that inform and shape the way we engage with listening routines, while also analyzing streaming-reliant listening habits through the lens of noise and noise philosophy. If noise is the disruption that becomes prerequisite for a selfless subject (Brassier, 2009), could we argue that noise-reliant algorithmic systems, based on the objectivity of machinic listeners, organize the chaos of desiring subjects by creating the illusion of a unique self, but in reality becoming the ultimate breeding ground for nemocentric (Metzinger, 2004) production of subjectivities? These subjectivities can be considered nemocentric (namely: without a center) because distributed across the cognitive assemblages of platform capitalism, dematerialized and scattered. If noise has been subsumed under the “masking” (Sterne, 2012) premises of platform capitalism, how do nemocentric subjects operate under the prescriptive logics of the very capitalist structures that produced them?
© Martina Raponi 2024 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
L'articolo esplora il concetto di pattern nella funzione cruciale che svolge nella costruzione dell’esperienza d’ascolto e in alcune conseguenze relative alle pratiche compositive musicali del Novecento. Inizialmente l’idea di pattern viene associata all’esperienza del riconoscimento attivato dalla percezione dell’ordine in cui si presentano distinzioni aurali. I pattern, formati o consolidati da questo riconoscimento, vengono poi inseriti in un sistema di relazioni che costituisce l’esperienza d’ascolto, a sua volta estesa nel contesto della piena multimodalità sensoriale. La prima parte del testo, dedicata alla narrazione dell’ascolto a partire dall’idea di pattern, si conclude con una discussione sulla naturalizzazione del pattern, che diventa oggetto del mondo attraverso il processo di abituazione. La seconda parte, restringe il campo del pattern al suo utilizzo in musica. Dopo una discussione sull’idea di pattern musicale ne vengono quindi presentate diverse tipologie (intraopus, interopus, brano, oggetto) che emergono dall’impostazione del pattern come strumento di costituzione dell’esperienza. L'articolo si conclude con una breve analisi dei ruoli svolti dalle varie tipologie di pattern musicali nelle tecniche compositive del Novecento e in particolare nella musica di John Cage sottolineando l'importanza della musica radicale nel contrastare le naturalizzazioni della musica di massa, per promuovere la sensibilità dell’ascolto.
© Massimiliano Viel 2024 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Sonic Landscapes in the Metaverse: Exploring Immersive Audio Design in Virtual Environments
Abstract This study examines the critical importance of audio design in crafting immersive experiences within the metaverse. The analysis focuses on key technologies driving this field, with particular emphasis on spatial audio techniques such as Head-Related Transfer Functions (HRTF) and Ambisonics, which enable precise three-dimensional sound positioning. The research investigates adaptive audio rendering, highlighting tools such as Microsoft's Spatial Audio Unity Plugin, which facilitates dynamic soundscape adjustments based on user interactions. Furthermore, the application of artificial intelligence in audio design is explored, with a discussion on the potential of Generative Adversarial Networks (GANs) for synthetic sound production and personalized audio experiences. The study presents two significant case studies: the partnership between TCG World, STYNGR, and Downtown for interactive sonic environments, and research on Audio Augmented Reality (AAR) in art galleries. Ethical considerations, including privacy, accessibility, and the psychological impact of immersive audio, are critically examined. The research concludes by exploring future directions, such as cross-modal integration and emotional AI systems in metaverse audio design, emphasizing the necessity for responsible development practices. Through this comprehensive analysis, the study aims to provide insights into the challenges and opportunities presented by audio design in virtual environments, contributing to the evolving landscape of metaverse technology.
© Vincenzo De Masi, Qinke Di, Siyi Li, Yuhan Song 2024 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Musica, non musica, dischi d'artista. Il disco in vinile come spazio del performativo
A partire dagli anni Novanta il disco in vinile sembrava destinato a scomparire, sempre più marginalizzato e relegato agli scaffali spesso polverosi dei collezionisti e di coloro che avevano vissuto l’era pre-digitale. Invece, da circa 15 anni a questa parte e a dispetto delle previsioni che lo davano per estinto, il vinile ha mostrato una sorprendente vitalità. Gli analisti più attenti ritengono che l’inaspettato recupero del vinile sia dovuto soprattutto alla capacità del disco di travalicare il suo presunto limite tecnologico che ne vincola l’ascolto a una concretezza analogica ingombrante. Anzi, paradossalmente, è stato proprio grazie a questa seduzione materiale, in contrapposizione alla illimitata accessibilità offerta dalla smaterializzazione digitale, che il vinile ha potuto rafforzare il suo status “iconico”, creando uno spazio di interesse verso il quale, fin dal momento dell’acquisto, si proietta il piacere dell’ascolto. In Italia, alcune realtà produttive indipendenti, tra cui Xing con la collezione "Xong", si sono inserite negli ultimi anni in questa rinnovata attenzione per il vinile, producendo "dischi d'artista", un ambito nel quale l’Italia, fin dagli anni Settanta, ha esercitato un ruolo pionieristico, nell'interpretare il disco come esplosione dello specifico visuale, come espansione dei limiti del processo artistico e delle sue rivendicazioni di ricerca sonora, vocale, acustica, tattile e corporea. Una tradizione che ha inizio con le avanguardie storiche, per arrivare fino ai giorni nostri passando per Cage, Fluxus, l’happening, la performance, l’arte concettuale, la Pop Art, la poesia sonora, la ricerca vocale, il minimalismo. Attraverso forme che appartengono anche esplicitamente alla nuova spettacolarità teatrale e alla ricerca in ambito rock ed elettronico "alternative". L'articolo intende tracciare la storia di questa fascinazione per i dischi vinile in campo artistico-performativo, attraverso una contestualizzazione e degli esempi mirati. Come si è sviluppata in Italia fino a oggi e come si rapporta alla cultura digitale in termini non solo di contrapposizione ma di virtuosa convivenza.
© Fabio Acca 2024 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
L'Ascolto come forma eco-politica di resistenza
Negli ultimi due decenni, i Sound Studies e le Sonic Arts hanno esplorato il rapporto tra suono e potere, studiando il suono come fenomeno vibrazionale e relazionale, contribuendo allo sviluppo di pratiche che spostano l’attenzione da un approccio cocleare a uno non-cocleare, sulla base delle ricerche in ambito medico-scientifico che hanno evidenziato i benefici del suono sulla salute psicofisica. Tuttavia, il suono viene anche utilizzato come strumento di controllo e coercizione. In contesti militari e quotidiani, infrasuoni e ultrasuoni vengono sfruttati per provocare paura, oppressione e manipolazione emotiva e fisiologica. Il testo discute e sostiene l'ascolto come un atto di resistenza eco-politica: l’ascolto, come atto consapevole, si costituisce come strumento per sovvertire le strutture oppressive geopolitiche e promuovere una società più etica e inclusiva. Le Sonic Arts, ponendo l’ascolto al centro del contesto d’indagine, facilitano il dialogo interculturale, la giustizia acustica e l’emancipazione culturale, mentre si enfatizza la necessità di una ri-educazione all’ascolto, che sfrutti il suo potenziale terapeutico per una coesistenza globale più consapevole e inclusiva.
© Daniela Gentile 2024 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Tre Canti. L'ascolto come pratica drammaturgica nelle performance di Agnese Banti, Diana Lola Posani e Tilia Auser
Agnese Banti, Tilia Hauser e Diana Lola Posani: a partire dall'analisi delle performance di queste tre artiste italiane emerse di recente nel panorama nazionale, questo paper si propone innanzitutto di analizzare le modalità attraverso le quali determinate linee di indagine afferenti al campo degli studi sulla voce, dell'ecologia dell'ascolto e della dimensione relazionale e spaziale del suono incontrino la dimensione performativa, così come le conseguenze che questo incontro produce da un punto di vista di creazione di estetiche e di modalità di fruizione e ibridazione di linguaggi. Scopo del paper non è quello di arrivare a tracciare linee di ricerca comuni, ma, nel rispetto delle diversità stilistiche ed estetiche dei singoli percorsi, cercare di comprendere quali forme, modalità narrative, relazionali ed estetiche queste linee di ricerca stiano producendo, in primis attraverso un lavoro di analisi e descrizione delle singole opere ma anche attivando un dialogo con le artiste sulle rispettive metodologie di lavoro, e in particolare sulla questione del ruolo drammaturgico e artistico svolto dalla figura dell' ascolto all'interno delle loro pratiche.
© Riccardo Fazi 2024 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
PIANETA PAGLIARINI: per una dimensione corale #restainAscolto
Il suono nasce come segnale e grazie ad esso impariamo a conoscere la costruzione interna della realtà senza distruggerla. Tutti i suoni, ci raccontano. Le “cose sonore” ci attraversano per poi divenire testo-mondo e vettore di immaginazione dinamica che lo rende punto di partenza per qualsiasi forma di composizione. Con il progetto #restaCorale dell’artista, psicologo Luigi Pagliarini, partorito durante l’emergenza Covid-19, il suono diventa componente essenziale dell’espressione artistica all’interno dell’immenso concerto delle vite. Il relativo “Manifesto per un’arte corale” nasce da una condizione di rinascita concreta, superando qualsiasi individualismo e con l’ambizione di oltrepassare la dimensione antropocentrica. Pagliarini tenta di costruire una comunità artistica di 130 allievi dell’ABAMC (Accademia delle Belle Arti di Macerata), i quali hanno eseguito sei opere ciascuno rispondenti alle azioni #restatrascendente, #restaUmano, #restaaCasa, #restaSicuro, #restaCreativo e #restaTeStesso che rappresentano alcuni momenti importanti vissuti durante la quarantena. Questa pratica di riumanizzazione dell’azione creativa-corale viene immaginata e pensata da Luigi Pagliarini, nonché accompagnata da un ulteriore progetto #restaInAscolto, ossia una campionatura ambientale di lunghezza variabile dai 10 ai 60 secondi di registrazioni audio dell’ambiente domestico, dai gesti preparatori delle azioni richieste al suono prodotto dal gesto artistico stesso. Quest’opera multiforme, gigantesca, dopo la prematura scomparsa dell’artista Pagliarini, ci consegna la respons-abilità di proseguire il suo lavoro. La nostra “pre-tesa” è proprio quella di ripartire dal suono che diventa composizione corale pre-esistente, archiviata, ma con la necessità (nostra) di recuperare il fiato e di poter comporre un nuovo “mosaico sonoro” appena immaginato fino ad arrivare al Pianeta-Mente, l’ultima fatica scritta da Pagliarini, una favola che si accorda sul significato profondo di coralità e di necessario recupero di suono e delle sue potenzialità relazionali prima della fine del mondo.
© Giorgio Cipolletta 2024 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Sonic Worlding. Per una teoria speculativa degli ecosistemi sonori
Questo paper si concentra sul tema del world-building applicato ad una serie di progetti sonori contemporanei, proponendo un percorso multidisciplinare volto a delinearne le caratteristiche in relazione all’interazione con l’ascoltatore. Il testo esplora la dimensione speculativa di questi progetti, mettendo in luce come, oltre a rappresentare la realtà, essa venga anche messa in discussione, favorendo un'analisi critica su temi politici e sociali contemporanei. L’articolo prende avvio dalla rassegna New Worlds di Alice Bucknell e dall'articolo The Rise of Conceptronica di Simon Reynolds, i quali forniscono il contesto teorico di partenza per comprendere il ruolo crescente del world-building sonoro. Attraverso l’applicazione del modello del “database” di Azuma, verrà esplorata la struttura di questi progetti, ponendo successivamente attenzione sull'agentività del suono, che rappresenta un fattore cruciale nell’interazione con il fruitore. Inoltre, la sonic fiction e il design speculativo verranno analizzati come pratiche parte di questi progetti, sovvertendo le strutture narrative tradizionali e fungendo da strumenti chiave per esplorare temi contemporanei quali il controllo, la resistenza e l'inclusione. Tali opere offrono nuovi modi di concepire il futuro, proponendo alternative alle visioni dominanti e aprendo spazi per una riflessione critica sulla realtà e sulle sue possibili trasformazioni.
© Nicola Zolin 2024 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Deconstruct To Reconstruct. Logic Of Assemblage and Aesthetic of Metamorphosis in Electronic Dance Music
Electronic music can arguably be considered the genre that has most effectively encapsulated and articulated human relationships with noise, machines and technology, embodying many technology-oriented concepts. The 21st century has brought about a post-condition that has had an impact on popular electronic music, with the rise of what has been labelled “deconstructed club”, “post-club”, and “conceptronica”. This paper presents a critique of the aforementioned terms, arguing that electronic dance music has consistently employed deconstructive and decontextualizing strategies in relation to pre-existent genres, elements, and expressive codes. Indeed, it is argued that a logic of assemblage and an aesthetic of metamorphosis are intrinsic to popular electronic music, given its technological and recombinant essence. If electronic dance music is based on avantgardist techniques such as assemblage and aesthetic détournement, it may be conceived, then, as an expression of popular avantgarde or popular modernism. Moreover, conceptual underpinnings may be found in popular electronic music since its inception. This paper, therefore, aims to reframe the analysis and discourses on popular electronic music by considering its deconstructive and conceptual aspects, and proposes that the most interesting facets of its recent developments may, in fact, lie elsewhere.
© Lorenzo Montefinese 2024 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Voci-improprie: soggettività emersive, nuove alleanze, risonanze contro il capitalocene
Se la voce è pura relazionalità situata ed incarnata, cosa accade a quelle voci modificate da processori elettronico-digitali? L'articolo nasce da un doppio posizionamento tra teoria neomaterialista e pratica performativa. Sono tre i nodi indagati: la formazione di soggettività inedite che destituiscono le principali dicotomie, il rapporto col linguaggio verbale in una prospettiva politico-immaginifica, le capacità di desintonizzazione dell'acustica ambientale creata da queste voci quando assunte collettivamente, tese al farsi strumento di pressione nei confronti delle ingiustizie ambientali.
© Daniele Vergni 2024 https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0