Ex Chordis è una rivista scientifica accreditata ANVUR (area 10), open access e peer review, promossa dal Dipartimento di Strumenti ad Arco del Conservatorio di Musica "N. Piccinni" di Bari e pubblicata per la Milano University Press. La rivista intende approfondire la cultura degli strumenti ad Arco in ottica interdisciplinare.
Il Violino, ossia analisi del suo meccanismo
Eusebio Dworzak von Walden (1850-1905), nato a Braila, in Romania, figlio del console austriaco a Patrasso, ha studiato prima a Delphi per poi laurearsi al Conservatorio di Lipsia, sotto la guida di Ferdinand David. Dopo un periodo di insegnamenti al Conservatorio di Lipsia, si trasferisce a Napoli negli ani ‘80, diventando capo del Dipartimento di Violino e Viola presso il Conservatorio S. Pietro a Maiella e uno tra gli insegnanti più importanti del suo tempo. Caposcuola napoletano, vanta tra i suoi allievi Gaetano Fusella (1876-1973), Alfredo D’Ambrosio (1871-1915), Luigi D’Ambrosio (1885-1972), ovvero alcuni dei più importanti nomi della Scuola Violinistica Napoletana, come ricordato nel Manuale di cultura e didattica violinistica (1926) di Pasquali-Principe: «dalla sua scuola uscirono allievi che emersero anch’essi per qualità violinistiche e didattiche».
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Nel 1970 il musicologo Remo Giazotto ha scoperto l’esistenza del testamento del violinista Carlo Mannelli (1640-1697): questa scoperta ebbe una certa risonanza dal momento che, fino ad allora, scarsissime erano le notizie esistenti su Mannelli. Il presente articolo intende approfondire la conoscenza del violinista romano. In particolare, l'analisi musicale e del contesto storico della sua Sinfonia a violino solo e basso continuo mette in luce alcune peculiarità stilistiche riguardanti l'ornamentazione estemporanea, le dinamiche dell’arco e il ritmo.
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Vincenzo de Meglio, Trio per violino, violoncello e pianoforte op. 144 sull‘Opera Rigoletto. Contesto e analisi musicale
Vincenzo de Meglio, pianista e compositore, nasce a Napoli il 9 aprile del 1825. Molti suoi lavori sono stati pubblicati da Casa Ricordi, a conferma che godesse di una certa popolarità all‘epoca. Vincenzo de Meglio, il cui catalogo annovera più di 260 titoli, ha inserito spesso tra i suoi lavori le riduzioni per violino, violoncello e pianoforte di Opere liriche. In questo filone editoriale si inseriscono trascrizioni, elaborazioni e fantasie per violino, con o senza accompagnamento di pianoforte, spesso dal forte connotato virtuosistico. Il Trio sull‘Opera “Rigoletto” di Giuseppe Verdi, per pianoforte, violino e violoncello, op. 144, è stato pubblicato da G. Ricordi & C. La copertina reca la dedica “All‘Egregio Artista Ferdinando Pinto”. L‘occasione per la composizione non è nota ma dalle notizie riportate nel periodico «Napoli Musicale» la composizione risalirebbe al 1872. Il Trio è, a tutti gli effetti, una fantasia sui temi celebri: la scelta e la presentazione degli stessi temi non è posta seguendo l‘ordine in cui sono presentati nella partitura originale ma in una elaborazione a pannelli.
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Francesco Attardi, Lorenzo Casati, Ottorino Respighi. Un iceberg sinfonico, LIM, Lucca 2024
Ottorino Respighi. Un iceberg sinfonico di Francesco Attardi e Lorenzo Casati è un’ampia, preziosa monografia di ultima pubblicazione per LIM che vuole portare alla luce il grande, sommerso patrimonio sinfonico di Ottorino Respighi (Bologna, 1879 – Roma, 1936), troppo spesso trascurato dalla critica di settore, cercando di svelare i molteplici aspetti umani ed artistici del compositore al fine di riscoprire, e rivalutare, il volto del Respighi sinfonista, autore non solo del famosissimo trittico Fontane, Feste e Pini di Roma ma anche di oltre quaranta composizioni per orchestra, e per solista e orchestra, di alto livello, accuratamente presentate in Appendice nel catalogo curato da Floriana Pedarra – fondatrice del Centro Studi Respighiani di Milano – sulla guida della ricerca musicologica operata dal padre, Potito Pedarra.
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Affinité de pensée entre Giacinto Scelsi et André Jolivet dans le contexte des sociétés musicales et des cercles ésotériques parisiens des années Trente
Les années Trente marquent pour Scelsi et Jolivet la transition de la jeunesse à la maturité, une période cruciale tant sur le plan personnel qu’artistique. À cette époque, Paris était un centre de grande effervescence musicale, avec de nombreuses sociétés musicales qui, au début, se consacraient à la promotion de la musique française, avant de s’ouvrir progressivement à des expériences musicales internationales. Dans un contexte politique marqué par la montée des nationalismes, Scelsi et Jolivet s’opposèrent à ces tendances en participant activement à l’organisation de concerts pour diffuser la musique contemporaine. Par ailleurs, le climat culturel parisien de l’époque était également marqué par un intérêt croissant pour l’ésotérisme. Bien que leurs parcours aient été parallèles, ces influences communes ont joué un rôle déterminant dans leur formation humaine et musicale. L’article se concentre particulièrement sur la comparaison entre les réflexions théoriques de Scelsi et Jolivet, en analysant leurs écrits pour mettre en lumière les affinités et les différences dans leurs approches musicales. Cette étude offre une base théorique pour de futures recherches sur les compositions des deux musiciens et leur intérêt commun pour un langage musical qui s’éloigne de la dodecaphonie, en mettant l’accent sur la recherche de la matière sonore.
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In Human Memories. Tecnica, creatività e autodeterminazione: una proposta etica
La ricerca indaga il ruolo dell'intelligenza artificiale (AI) nelle moderne pratiche compositive, con particolare attenzione a due casi di studio: Convergence (2020/21) di Alexander Schubert, per Ensemble d'archi e sistema AI, e In Human Memories (2024) di Francesco Vitucci, per quattro violoncelli ed elettronica, la cui installazione è stata realizzata dalla Scuola di Musica Elettronica del Conservatorio “N. Piccinni” di Bari. L'indagine storica iniziale traccia l'evoluzione dell'uso della tecnologia nella composizione, rivelando come la ricerca di nuove possibilità espressive abbia guidato lo sviluppo di strumenti tecnologici attraverso la sperimentazione. La comparsa dell'IA segna un cambiamento fondamentale: non più solo uno strumento, l'IA pone ora domande e sfide al compositore. Impegnarsi con l'IA diventa un'esplorazione di un'entità sconosciuta, le cui capacità sono ancora in gran parte da scoprire. Questa nuova interazione porta i compositori a confrontarsi con l'IA non solo come risorsa passiva ma come partecipante al processo creativo, delineando un percorso etico per recuperare la tecnologia come strumento creativo. In Human Memories riflette questa dinamica, dimostrando come l'IA possa servire sia come ispirazione che come forza trainante nel plasmare la musica contemporanea.
Copyright (c) 2024 Francesco Vitucci, Giuseppe Silvi, Francesco Abbrescia, Anthony Di Furia, Francesco Scagliola https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
La Passacaglia di Heinrich Ignaz Franz Biber: tra forma e contenuto
L'analisi delle fonti storiche e lo studio del contesto sociale non solo forniscono spunti relativi alle soluzioni formali, ma approfondiscono anche l'atteggiamento filosofico dell'epoca. Questo articolo intende suggerire un'interpretazione degli elementi formali presenti nella Passacaglia per violino solo dalle Sonate del Rosario di Heinrich Ignaz Franz Biber, in relazione alla fisicità “carnale” dell'esperienza suggerita dalla filosofia gesuita del XVII secolo a Salisburgo. A una consapevolezza intellettuale da un lato (pensiero analitico) si affiancherà quindi una consapevolezza emotiva/esperienziale dall'altro (pensiero analogico). In particolare, si analizzerà il valore del numero 10 all'interno del brano di Biber, evidenziando la logica strutturale ed esperienziale della struttura compositiva della Passacaglia. L'approccio numerologico proposto per spiegare la struttura del brano vuole essere uno stimolo per produrre un'esecuzione più consapevole dei processi storici, del percorso spazio-temporale vissuto durante l'esecuzione e dell'impatto comunicativo insito in una performance retoricamente informata. Questo articolo vuole invitare il lettore a considerare un approccio metodologico simile alla musica barocca in generale.
Copyright (c) 2024 Davide Monti https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Ercole Folegatti, originario di Ferrara, è stato Accademico Filarmonico di Bologna, professore Onorario di Violino dell‘Accademia S. Cecilia di Roma e socio onorario del Circolo Promotore Partenopeo“Giambattista Vico” di Napoli. Nei due volumi qui presentati, Folegatti si attiene rigidamente alle regole tecnico-strumentali presenti nei metodi di Francesco Galeazzi (1758-1819) e Bartolomeo Campagnoli (1751-1827). Ciò limita in parte l’originalità del lavoro. Tuttavia, il secondo volume ⎻ che tratta quartetti, orchestre, formazioni da camera e direttori d’orchestra ⎻ risulta molto più interessante, rivelando aspetti importanti della scena musicale italiana dell‘epoca. In tale prospettiva, il predominio assoluto dell‘Opera lirica avrebbe ostacolato la crescita della musica strumentale, penalizzando la qualità degli esecutori e delle orchestre. La musica da camera strumentale, dunque, sembrerebbe quasi del tutto scomparsa, sopravvivendo grazie all‘impegno di musicisti che, nonostante le difficoltà, riescono a organizzare ensemble, spazi dedicati alla musica da camera, società per promuovere il quartetto, concorsi cameristici, invitando anche celebri artisti stranieri a esibirsi in Italia.
Copyright (c) 2024 Ercole Folegatti https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Nuovi orizzonti di pratica e ricerca artistica nella performance. L'approccio analitico-performativo interculturale e co-creativo del progetto Re-Orient: i casi-studio dei 72 Studi Carnatici di J. Charpentier e delle Danze Argentine di A. Ginastera
L’articolo presenta lo sviluppo metodologico del modello analitico-performativo adottato nell’indagine di ricerca artistica di G. Caruso sui 72 Studi Carnatici di J. Charpentier (1933-2017) e successivamente esteso ad altri repertori, come le Danze Argentine di A. Ginastera (1916-1983), nel progetto artistico “Re-Orient” grazie alla collaborazione con F. Magarò. In questa ricerca, gli aspetti creativi dell’interpretazione e della performance sono combinati con una precisa analisi storico-stilistica della partitura. L’analisi performativa è stata arricchita dall’applicazione del Solkattu (un sistema di vocalizzazione della tradizione carnatica) come lente per estrapolare e interpretare la struttura interna (ritmica o scalare) di ogni studio. Durante una pratica esecutiva collaborativa, i due ricercatori hanno identificato i pattern ritmici e melodici tratti da Charpentier dalla tradizione musicale indiana ed elaborati sulla sua partitura. La semantica del modello arabo-carnatico è stato poi applicato per identificare formule tipiche delle danze argentine presenti nella partitura di Ginastera, ovvero il Malambo e la Chacarera. Questa pratica artistica collaborativa ha portato a un processo creativo in cui la notazione ha fatto da ponte tra la musica “colta” e quella “popolare” (ovvero, “extraculta” europea). Il risultato non è culminato solo nella realizzazione di un progetto artistico co-creativo, ma anche in un modello analitico-performativo coerente trasferibile ad altri repertori. Il modello analitico-performativo si è rivelato efficace nell’evidenziare gli elementi ritmici e melodici di due diverse tradizioni musicali, quella carnatica e quella argentina, a sostenere l’ipotesi che gli elementi musicali extraculturali abbiano una valenza metalinguistica. La prassi esecutiva congiunta del pianoforte e delle percussioni è diventata uno strumento storico-stilistico per estrapolare tracce di tradizioni musicali “altre” inquadrate nel linguaggio occidentale. Il risultato di questa embodied practice valida la tesi di bi-musicalità (o meglio Intermusability), ossia l’acquisizione di competenze e di abilità performative da parte di studiosi/musicisti attraverso l’esperienza di pratica artistica di sistemi musicali differenti.
Copyright (c) 2024 Francesco Magarò, Giusy Caruso https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Introduzione alla produzione per violino e pianoforte di Franco Margola. Analisi della Sonata dC12
Franco Margola (1908-1992), tuttora unanimemente ricordato come valente compositore e didatta, utilizza un linguaggio musicale totalmente personale che ingloba diversi elementi: il rispetto della tonalità, l’uso di politonalità e a-tonalismo, timidi accostamenti alla dodecafonia, l’adesione alle istanze neoclassiche. La musica di Margola, «moderna ma non avveniristica, colta ma non cerebrale» (O. de Carli), contribuisce a colmare un vuoto culturale altrimenti lasciato dalle moderne avanguardie e risponde pienamente ai gusti di un pubblico che intende ascoltare il moderno ma non intende abbandonare la tradizione né rinnegare il passato. Il percorso qui proposto analizza la produzione violinistica margoliana attraverso la Sonata per Violino e Pianoforte n. 1 dC 12. Dal punto di vista metodologico, si è resa necessaria l’analisi diretta delle partiture (edite e inedite) e di differenti fonti documentarie (articoli di giornale, interviste e recensioni, scritti personali, contributi saggistici). L’obiettivo del lavoro è evidenziare in che termini Margola ha dato una forma antica a contenuti nuovi e ha ricoperto un ruolo importante nell’aggiornamento della didattica del Violino nei Conservatori italiani, offrendo ai futuri musicisti una possibile via per comprendere le strutture profonde della musica e il complesso rapporto tra passato e presente.
Copyright (c) 2024 Sharon Tomaselli https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Composing for Cello: the Experience of Light in Timbre
This article approaches the compositional process of the piece The Shimmer Beneath: A Scattering Attempt, for cello duo with amplification (2019). This research is part of my doctoral thesis The Composition of Timbre: A Multidimensional Approach (University of Leeds, 2021), in which I approach the timbral complexity from the possible correlations between its semantics and physicality. Here I focus on the study of luminance as one of the semantic dimensions of timbre, presenting different perspectives from psychoacoustics to contemporary repertoire for bowed strings. The compositional methodology includes the development of a scale for measuring the amount and intensity of light perceived in a series of cello techniques and their corresponding timbral qualitative descriptors. These technical explorations are spectrally analyzed to identify their timbral content and structure. The cello techniques are the ‘device’ for the timbral formation and development of the piece, according to a conceptual reference related to the experience of light.
Copyright (c) 2024 Ivonne Michele Abondano Florez https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Uno sguardo al Viceregno tra Sette e Ottocento: enthusiasmós, ozi e mestieri da Napoli all’Abruzzo
Tra la fine del Settecento e la prima metà dell’Ottocento i temi della musica, del ballo e del vino – interpretati secondo diverse declinazioni – furono spesso soggetto favorito di vedute, scene di genere e ritratti dei costumi popolari associati alle province del Regno di Napoli. Tra i distretti vicereali, l’Abruzzo – malgrado le avverse condizioni del territorio e la particolare posizione geografica – godette di un particolare interesse da parte dei viaggiatori di età romantica e preromantica. I resoconti dei Grand Tour tratteggiano un ambiente in cui gli episodi di mero folclore risultano marginali e, in ogni caso, sempre inseriti entro contesti rurali e naturalistici. Per contro, l’immaginario partenopeo sembrava adeguarsi maggiormente ad una certa sensibilità internazionale, le cui istanze richiamavano scenari deliziosi e ideali momenti di svago collettivo ambientato nelle piazze e nei sobborghi cittadini. In queste occasioni rivestivano particolare importanza le chitarre, i violini e gli strumenti a percussione, menzionati nei racconti e rappresentati di frequente nelle iconografie. Diversamente da quanto accadeva nel capoluogo, in Abruzzo le occasioni della musica e del ballo sono spesso separate da ogni elemento associato al vino, a cui, per contro, sono riservati tempi e spazi definiti. Sebbene, in taluni casi, nei soggetti raffigurati si percepisca una timida spinta all’abbandono, questi elementi sono più spesso accostati ai motivi del lavoro e dell’otium dopo la fatica, pertanto, piuttosto lontani dagli idilli e dagli eccessi del capoluogo almeno sino alla seconda metà del XIX secolo. Attraverso il confronto tra le impressioni dei costumi popolari napoletani e quelli della provincia abruzzese, l’indagine mira a definire alcuni aspetti legati ai rapporti tra centro e periferie vicereali nell’ultima fase dell’età moderna.
Copyright (c) 2024 Francesca Cannella https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Julien Amable Mathieu e lo sviluppo della tecnica violinistica nel repertorio francese della metà del ‘700
La galanteria, intesa come ‘bon goût’, fu peculiarità di tutta la musica francese dei secoli XVII e XVIII, ma lo ‘stile galante’ propriamente detto è quello che caratterizzò la maggior parte della musica nazionale composta intorno alla metà del 1700, in particolare a Versailles, e che si distingue per struttura compositiva libera, disegni tematici complessi ma non contrappuntistici, ricchezza e complessità di abbellimenti, arpeggi e note di passaggio ‘vezzose’, per linee melodiche brevi, animate e sinuose, e per un distacco formale dalla retorica del 1600. Esponente di grande spicco del mondo violinistico galante fu Julien Amable Mathieu, primo violino dei Vingt-Quatre Violons du Roi, emblema della musica e della magnificenza dei regni di Luigi XV e Luigi XVI. Quasi nulla è stato scritto di lui, eppure contribuì enormemente allo sviluppo della tecnica e dell’estetica violinistiche, in linea con la Scuola di L’Abbé Le Fils. Le sue opere, eseguite assiduamente anche nei Concerts de la reine, furono talmente ammirevoli da fargli meritare l’attribuzione di un apposito stemma e una una ‘Lettres de Noblesse’ con cui fu insignito di tutti i titoli nobiliari da parte di Luigi XVI. Questo lavoro ripercorre brevemente la sua vita e mette in luce il suo contributo nella diffusione dello stile galante e della tecnica violinistica.
Copyright (c) 2024 Silvia Grasso https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
L’eredità tedesca del giovane Hindemith. Analisi delle Sonate per Viola op. 11 n. 4 e op. 25 n. 1
Questo articolo si propone di analizzare il contesto storico e musicale in cui il giovane Hindemith, nato in un ambiente di fermento politico e sociale come quello della Germania a cavallo tra XIX e XX secolo, intraprende la strada che lo annovererà tra le più importanti personalità musicali del suo tempo; Hindemith, infatti, è sia un eclettico strumentista che un compositore prolifico e pieno di idee. Ancora lontani dalla sua piena maturità artistica, percorreremo una piccola parte del periodo giovanile del suo percorso, durante il quale, però, il compositore opera il cambiamento forse più radicale della sua carriera. L’impatto della guerra innesca, nella cultura come nella società, dei grandi ripensamenti sull’identità di ogni individuo e di ogni collettività, che, in campo artistico, portano all’avanzata delle avanguardie e a una serie di radicali cambiamenti. Hindemith accoglie le novità apportate dalla generazione precedente aprendo la sua scrittura alle grandi riflessioni sulla forma e sulle possibilità inclusive della tonalità. Di quel periodo, il 1919, vedremo come nella Sonata op. 11 n.4 comincia il graduale allargamento della sua concezione linguistica, in cui si cimenta nel riforgiare le forme della tradizione (specialmente quella tedesca), nel giocare con pochi elementi e al contempo costruire un discorso di grande varietà espressiva e compositiva. Successivamente, in un epoca di grandi cambiamenti e di grande fermento artistico come quella degli anni ’20 e ’30 del secolo scorso, il giovane compositore si trova a operare delle scelte che inizialmente lo inseriranno tra i compositori aderenti all’estetica espressionista, dei quali il maggior esponente è Schönberg che, di lì a pochi anni, sfocerà nella teorizzazione della dodecafonia. Hindemith, però, abbandona presto la direzione presa dal capostipite della seconda scuola di Vienna per intraprendere una strada del tutto personale: la “Nuova Oggettività”.
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Renate Klöppel, Training mentale per il musicista
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Biagio Putignano, Boîtes del merveilles, Tre Duetti per Irvine Arditti
Copyright (c) 2024 Biagio Putignano https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Thomas Adès, Concerto for Piano and Orchestra. Analysis, Pattern and Form of the First Movement
This paper will explore the first movement of Thomas Adès’ Concerto for Piano and Orchestra [2018], focusing on its harmonic, structural, and melodic components. The analysis will examine the unconventional treatment of harmonic patterns, including the circle of fifths, chromaticism, and the use of the (025) pitch class set. Additionally, the sonata form will be discussed, highlighting how Adès integrates and manipulates traditional elements within this framework. The study will also investigate Adès’ use of melodic sequences, particularly those based on intervals of the fifth and fourth, showing how they evolve throughout the movement. The overall goal is to demonstrate how Adès blends traditional techniques with modern innovation, creating a distinctive compositional style.
Copyright (c) 2024 SiHyun Uhm https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Fazil Say e la Musica Turca Moderna e Contemporanea
All’inizio del XX secolo, il nuovo governo di Mustafa Kemal Atatürk si interessò a portare innovazione nella scena musicale turca, dando inizio ad un nuovo genere di musica turca che doveva fondere gli elementi tradizionali con lo stile compositivo occidentale. È sotto questa luce che bisogna analizzare la musica di Fazil Say (1970-): le sue composizioni sono affacci nella storia e tradizioni del suo Paese, e in ognuna di esse egli trova nuovi modi di evocare suoni e ambienti, con e senza la presenza di veri e propri strumenti tradizionali turchi. Con questo lavoro si è voluto esplorare la storia della musica turca dal Novecento ad oggi e il contributo di Fazil Say in qualità di uno dei massimi esponenti della musica del suo Paese, tramite un’analisi della forma e della struttura di due sue composizioni per violino che riassumono appieno il suo stile compositivo: la prima Sonata per violino e pianoforte e Cleopatra per violino solo.
Copyright (c) 2024 Nicoletta Leone https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Da 300 anni il nome di Antonio Stradivari è conosciuto come sinonimo di eccellenza nel mondo della Liuteria, espressione del genio italiano nell’arte applicata. Tale mito ha fatto lievitare i prezzi dei pochi esemplari rimasti, lasciandone privi la stragrande maggioranza degli strumentisti; quel che è peggio, troppi individui avidi ne approfittano per realizzare enormi guadagni. Le domande di ricerca cui risponderemo sono: dopo così tanto tempo, qual è lo stato delle ricerche sugli strumenti originali? Saremo mai in grado di usare le scoperte sin qui fatte per produrre a costi ragionevoli dei nuovi strumenti che ne replichino le medesime caratteristiche, e magari a migliorarle? In poche parole, il mito di Stradivari è superabile? Partiremo dall’analisi attuale del problema affrontandone le implicazioni economiche, sociali ed artistiche. Esamineremo poi lo stato attuale delle numerose ed approfondite ricerche già effettuate sugli strumenti del Grande Cremonese e le scoperte ormai accertate. In seguito esamineremo i risultati degli studi che sono già riusciti a riprodurre fedelmente uno Stradivari e infine indicheremo quali esperimenti dimostrano che le qualità acustiche degli Stradivari sono già state superate da strumenti nuovi. Infine, dopo aver esaminato i risultati acustici offerti dai materiali del futuro applicati sia agli strumenti che agli archetti, dedicheremo l’ultimo sguardo ad una struttura pubblica ultradecennale, esempio di come oggi si sta già formando una nuova generazione di liutai.
Copyright (c) 2024 Massimo de Bonfils https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Arvo Pärt e l’evoluzione dello stile Tintinnabuli nelle opere per violino. Tabula rasa (1977) e Fratres (1980)
Il presente saggio è una versione abbreviata e aggiornata del mio lavoro di Tesi Triennale sui principali brani per violino di Arvo Pärt. In seguito al mio diploma accademico di I livello ho avuto un’ulteriore opportunità per conoscere il compositore estone grazie alla mia visita all’Arvo Pärt Centre di Laulasmaa (Estonia) in occasione degli Arvo Pärt Days 2022; motivo per cui ho deciso di approfondire due dei brani già analizzati nel mio precedente lavoro, Tabula Rasa (1977) e Fratres (1980). Il risultato di questo studio è allo stesso tempo specifico e generale; il suo scopo principale è aumentare la conoscenza sulla figura di Arvo Pärt, liberandola da tutti gli stereotipi associati alla sua musica. La sua musica, infatti, è differente da tutto il resto. In via preliminare, il saggio analizza la sua personale tecnica compositiva, affrontando alcuni concetti chiave che torneranno più avanti nelle analisi di Tabula Rasa e Fratres. Poi, durante l'analisi dei due brani in questione, si cercherà di riscontare tecniche musicali ricorrenti nell’uso del violino e nella sua interazione con strumenti differenti.
Copyright (c) 2023 Silvia Zeverino https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
La produzione cameristica e solistica per archi di Francesco Ricupero. Il caso della Sonata per Violino e Cembalo
In questo contributo si vuole analizzare la produzione cameristica e solistica per archi di Francesco Ricupero, compositore della seconda metà del Settecento di cui conosciamo pochissime notizie biografiche ma di cui possediamo un’enorme quantità di manoscritti musicali. Studiare e analizzare manoscritti e composizioni sconosciute può essere utile non solo per arricchire il repertorio di uno strumento ma per riportare in auge pratiche esecutive dimenticate e stili nascosti. Pur trattandosi di una produzione secondaria di un compositore pressoché dimenticato dalla storia della musica, risulta essere molto interessante, ricca di spunti e diversa da quanto scritto e composto a Napoli nella seconda metà del Settecento. Tale produzioni merita oggi approfondimenti, edizioni critiche ed esecuzioni. In particolare, analizzeremo la Sonata per violino e cembalo, una composizione molto particolare, composta solo in due movimenti, che mal si inserisce nel repertorio solistico dell'epoca.
Copyright (c) 2023 Eugenio Poli https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Come, pretty babe, un consort song di William Byrd dal testo scabroso
I consort song – brani vocali con accompagnamento di un consort di viole da gamba – costituirono un genere molto in voga nell’Inghilterra degli ultimi decenni del XVI secolo, in piena età elisabettiana, genere in cui William Byrd eccelse. Tra i consort song che il compositore non pubblicò ce n’è uno, Come, pretty babe, dal testo piuttosto scabroso per l’epoca. Tratta, infatti, della maternità al di fuori del matrimonio. In questa ninna nanna, la madre si rivolge al suo piccolo confidandogli il dolore e l’angoscia per la situazione drammatica in cui versano. Nell’articolo viene data la traduzione del testo letterario, che viene discusso nel contesto sociale dell’epoca. Viene, inoltre, fornito un quadro generale dei consort song byrdiani. Si ipotizzano, altresì, le ragioni che indussero il Brittanicae Musicae parens a non dare alle stampe Come, pretty babe.
Copyright (c) 2023 Giambattista Bello https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
La “nuova antichità” di Luigi Dallapiccola. Analisi della Tartiniana Seconda MR58a
Il saggio mira all’analisi della Tartiniana Seconda MR58a per violino e pianoforte di Luigi Dallapiccola. La composizione si inserisce nel panorama di riscoperta della musica strumentale italiana del passato e mutua i temi della Sonata VII B.a1 di Giuseppe Tartini che con Dallapiccola condivide la terra d’origine: l’Istria. Dallapiccola modifica i temi tartiniani unendo l’uso dell’antico contrappunto ai procedimenti seriali, creando una linea violinistica (che già nell’originale tartiniano presentava vari virtuosismi) e una pianistica (non semplice “accompagnamento” ma intrecciata alla prima). L’analisi prende spunto dai suggerimenti di ricerca di Sandro Perotti in merito al tema della ri-scrittura, per proseguire con l’analisi della forma, dei canoni, della sintassi armonica e degli elementi motivici, proponendo degli schemi che riassumono le costruzioni di natura matematica tipiche di Dallapiccola.
Copyright (c) 2023 Irene Tripodi https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
La didattica collettiva per quattro violini come complemento all’insegnamento strumentale
L’esperienza didattica di tutti i giorni ci porta ad affermare che l’insegnamento del violino può trarre enormi benefici dalle pratiche musicali collettive in ensemble più o meno grandi. Ciò si dimostra particolarmente evidente se consideriamo l’esperienza d’ensemble di quattro violini non accompagnati, formazione storicamente molto legata alla didattica tradizionale: la natura della formazione, infatti, permette di instaurare molteplici confronti, analogie, sfide positive tra i componenti del gruppo, i quali possono vantare o meno le stesse competenze strumentali (gruppo omogeneo o non-omogeneo). L‘esecuzione d‘ensemble per quattro violini, infatti, implica interazioni di natura musicale e sociale tra gli esecutori: la performance musicale d‘ensemble è un affare tipicamente collettivo. Ciò porta a chiedersi: quali sono le basi teoriche a supporto dell’affermazione secondo cui la pratica collettiva è di supporto a quella individuale, e che benefici si riscontrano (e.g. indipendenti in ambito musicale, sviluppo dell’auto-regolazione)? In tale prospettiva, il presente lavoro intende orientare il lettore nell’ampio panorama teorico della didattica collettiva, affrontando il ciclo dell’auto-regolazione nella pratica efficace di studio, i principi dell’apprendistato cognitivo e dell’apprendimento cooperativo, il ruolo benefico di interventi di educazione tra pari in ambito musicale. In fin dei conti, l’obiettivo è approfondire, in ambito didattico, i legami tra pratica collettiva e individuale ed esplorare il potenziale impatto dell’ensemble di quattro violini sulla pratica violinistica individuale.
Copyright (c) 2023 Alessandro Cazzato https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Leroy Jenkins: un violinista in chiave di basso
Protagonista indiscusso dell’avanguardia nell’ambito dell’A.A.C.M. (Association for the Advancement of Creative Musicians), il violinista afroamericano Leroy Jenkins (1937-2007) è una figura ancora poco studiata. Nella sua opera sintetizza musica sacra, blues, jazz, improvvisazione radicale e musica europea; materiali musicali che si collegano e si scontrano, quasi drammatizzando gli eventi di una vita piena di contraddizioni. Il focus di questo saggio è un approfondimento analitico (ove possibile comparato tra versioni diverse) di alcuni brani di L. Jenkins da cui risulta evidente la sua particolarissima attenzione per la voce del basso; i brani in esame (Looking for the Blues, Through the Ages Jehovah, Bird Eddie and Monk) coprono un arco temporale che va dal 1978 al 1992, periodo in cui parte della sua ricerca musicale si concentra sulle potenzialità degli strumenti elettrici. Gli unici testi di cui disponiamo sono le tracce fonografiche, per cui l'analisi musicale si avvale di due strumenti: la trascrizione in notazione tradizionale e gli schemi formali. L’analisi musicale mostra come il suo pensiero di compositore/improvvisatore non si limiti al proprio strumento. I brani esaminati infatti sono tutti basati su riff o linee di basso, e la loro forma è organizzata in modi sempre diversi. Il suono del suo violino dirige in modo sicuro il flusso sonoro, ma la musica rimane estremamente libera. Questa è forse l’essenza paradossale del cosiddetto free jazz: la coesistenza di anarchia e gerarchia.
Copyright (c) 2023 Carlo Cimino https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Prospettive di studio della performance musicale nella ricerca artistica
In questo ultimo ventennio, lo studio della performance musicale si sta sviluppando su diversi fronti. All’approccio etnomusicologico, diretto all’analisi della performance nelle tradizioni musicali extraeuropee, si sono affiancati i ‘performance studies’, che hanno portato alla ‘svolta performativa’ e alla ‘svolta artistica’ e, quindi, alla nascita della ricerca artistica musicale incentrata a indagare il processo creativo della performance nella tradizione musicale occidentale. Ma quali sono nello specifico le nuove prospettive di studio della performance musicale rispetto alle domande di ricerca, agli obiettivi, ai metodi e ai risultati della ricerca artistica musicale? Il presente articolo offre una panoramica dei diversi approcci di studio della performance musicale, restringendo il campo ai metodi di analisi della performance di una composizione musicale scritta nell’ambito della ricerca artistica. Nel definire il percorso che determina la trasformazione della pratica musicale in ricerca sulla performance musicale, verranno evidenziate le problematiche relative alla scelta dei metodi, proponendo le divergenze e le convergenze dell’approccio strettamente artistico rispetto all’approccio scientifico. Saranno, quindi, presentati gli obiettivi della ricerca artistica musicale e un metodo misto che integra l’approccio analitico-performativo e l’approccio analitico-empirico. L’applicazione del digitale per la documentazione e l’analisi del gesto del performer sarà tema di discussione per far emergere le potenzialità del dialogo tra arte, scienza e tecnologia, foriero di innovative prospettive per lo studio della performance musicale nella ricerca artistica.
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