L'uomo nero. Materiali per una storia delle arti della modernità
Rivista di studi storico-artistici sul contemporaneo.
Album di famiglia e scrapbook vittoriani. Fotografia e femminismo nella seconda metà dell’Ottocento
Nel contesto vittoriano di metà Ottocento, la possibilità di acquistare e collezionare piccoli ed economici ritratti fotografici diede vita alla moda di realizzare album di famiglia e scrapbook giustapponendo fotografie a disegni a scritture. Le donne aristocratiche che sperimentarono queste pratiche gli attribuirono la forza di uno strumento identitario e di gender politics in cui corpo, performatività e azione costituirono la possibilità di manipolare in modo trasgressivo le dimensioni dello spazio e del tempo. Il saggio approfondisce queste esperienze di tipo fotografico prendendo in esame due casi studio principali: l’album di Lady Charlotte Milles (1835-1927), e quello di Georgina Berkeley (1831-1919), per darne una lettura in cui la storia della fotografia e dell’arte contemporanea intrecciano i gender e i feminist studies. In quest’ottica, il recupero di attività marginali e amatoriali permette di valorizzare sperimentazioni extra-artistiche, quali furono gli scrapbook vittoriani, nel loro aurorale uso concettuale della fotografia. Pur trattandosi di un esercizio circoscritto storicamente e socialmente, gli album realizzati dalle donne vittoriane mostrarono la forza della fotografia nelle sue implicazioni autobiografiche, identitarie e dell’immaginario, con l’obiettivo di negoziare l’invisibilità a cui erano state destinate ma, al tempo stesso, dando vita ad azioni, esperienze e idee che solo l’arte contemporanea avrebbe reso praticabili.
Copyright (c) 2023 Federica Muzzarelli https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Attorno al monumento in ricordo di Roberto Franceschi. Metafora, invenzione strutturale e funzionalità nel dibattito della cultura militante di metà anni Settanta
Il presente contributo si propone di analizzare gli eventi che portarono alla scelta di un maglio industriale quale monumento in ricordo di Roberto Franceschi, studente bocconiano militante del Movimento Studentesco ucciso durante una manifestazione nel 1973. Nel dibattito sorto attorno alla scelta dell'oggetto si confrontarono prospettive culturali antitetiche: da una parte i membri del Movimento Studentesco - supportati anche da una serie di artisti, come Alik Cavaliere - che avrebbero voluto ricordare Franceschi con una scultura di ispirazione realista, dall'altra i "progettisti", tra cui spiccava Enzo Mari, che avrebbero voluto commemorare il giovane attraverso una metaforizzazione dei contenuti cari alla cultura comunista e studentesca di metà anni Settanta: il lavoro e lo studio. Il distacco del monumento dedicato a Franceschi rispetto ai classici attributi di una scultura di stampo realista risulta evidente dal confronto con un altro monumento dedicato negli stessi anni a due "martiri" della Nuova Sinistra, la stele bronzea dedicata a Giannino Zibecchi e Claudio Varalli dallo scultore Nicola Neonato.
Copyright (c) 2023 Andrea Capriolo https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
L’implicazione della registrazione videografica negli happenings di Allan Kaprow. Il caso di Print-Out (per George Brecht), Milano, 1971
Tra la fine degli anni Sessanta e il principio del decennio successivo la ricerca di Allan Kaprow è nel pieno di una fase per certi versi di transizione e cambiamento, dove nei suoi happenings apre a una sperimentazione che valica quanto enucleato nel carattere dei suoi primi progetti, ossia l’azione pura, e ingloba l’uso di strumentazione tecnologica, in peculiare dialogo con il procedere degli eventi. Nel 1971 il Comune di Milano commissiona la creazione di Print Out (per George Brecht), un happening per e sulla città, il primo in ambito italiano. Si tratta di uno dei primi lavori in cui l’artista alla realizzazione di un’azione con i partecipanti relaziona direttamente una ripresa in video e successivamente la presentazione del registrato in mostra, articolando così un’operazione sui generis. Tuttavia sia in ambito nazionale sia nelle biografie dell’artista l’evento meneghino avrà poca eco e la mancanza di interesse critico e storico, anche da parte dello stesso Kaprow, lo porterà fin da subito a una sorta di damnatio memoriae. La recente riscoperta di molti materiali legati a esso ha permesso però di condurre una ricostruzione filologica dei fatti. Sulla scia di questo il presente contributo si propone di offrire un riesame di Print Out e, contestualmente, di analizzare come l’artista abbia impiegato la registrazione in video, aprendo, in modo inedito per il suo lavoro, alle possibilità di espansione di significazione ed esperienzialità di un happening-event-activity.
Copyright (c) 2023 Irene Boyer https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
“Abitare i confini”. Esperienze relazionali a Roma dalle Disordinazioni a Studi Ricerche Contemporanee
In Italia, le pratiche artistiche relazionali degli anni Novanta presentavano caratteri peculiari rispetto al più noto scenario internazionale. Pur essendo altrettanto caratterizzate dall’attenzione verso aspetti processuali e collaborativi e da un’inedita dilatazione nel tempo e nello spazio, spesso le ricerche italiane incorporavano legami con l’attivismo politico e con la tecnologia, e a volte prevedevano l’adozione di nomi collettivi, reagendo così alle frequenti aggregazioni sorte nei decenni precedenti intorno a esigenze di mercato, più che a un reale sentire comune. Entro questo ritorno a pratiche concettuali e politicizzate si inserivano, a partire dal 1994, le Disordinazioni, azioni “disordinanti” e inaspettate concepite inizialmente da Giuliano Lombardo nello spazio urbano di Roma, seguite dalle esperienze del gruppo dei Giochi del Senso e/o non-senso, poi ribattezzato Studi Ricerche Contemporanee.
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1956-1964, incontrare l’America a Roma e Parigi. L’evoluzione del linguaggio figurativo di Giosetta Fioroni dalle tele informali agli Argenti
Alla fine del 1957 Giosetta Fioroni lasciò l’Italia, con l’esigenza di trovare la propria dimensione identitaria all’interno del panorama artistico contemporaneo. Visse fino al 1963 anni di intenso nomadismo tra le sollecitazioni multiformi di Parigi, legata ancora alla tradizione delle avanguardie europee, e la realtà a lei familiare di Roma, che destava il crescente interesse di artisti, critici e collezionisti americani, nonostante gli equilibri precari della Guerra Fredda. Questo studio intende dimostrare come le modalità non continuative del soggiorno francese, insieme alla distanza geografica e culturale dall’ambiente della sua formazione, permisero all’artista di giungere alla sintesi di un nuovo linguaggio figurativo che scardinava, nel fluire dei grafismi, le precedenti abitudini compositive informali. Esplorando e cristallizzando l’aspetto transeunte del ricordo, i disegni e le carte anticiparono dal 1958 elementi pittorici e tecniche che contraddistinsero, in seguito, gli Argenti. Attraverso la ricostruzione delle mostre e delle relazioni internazionali di Giosetta Fioroni, è stato analiticamente indagato, per la prima volta, il ruolo centrale di alcune figure per il suo percorso di maturazione umano e professionale, dai découvreurs de talents delle galeries pilotes Facchetti e Breteau, al collezionista Henry Fara. L’identificazione della persona di Gerard Michel ha consentito, inoltre, di anticipare la data dei primi contatti con la Francia al 1956.
Copyright (c) 2023 Letizia Giardini https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Aleatorietà e permutabilità nelle ricerche astratto-concrete in Italia. Struttura continua N. 018 di Bruno Munari, Immagini ottenute sostituendo ai numeri i quadrati di Davide Boriani e Random walks by random numbers di Grazia Varisco
Il dato aleatorio, elemento che entra regolarmente a far parte delle pratiche artistiche con le sperimentazioni dadaiste e surrealiste, viene ripreso e studiato dagli artisti del secondo Novecento. Una figura cardine è John Cage: il suo arrivo in Italia nel 1959 rappresenta una tappa importante per le riflessioni sul caso e non solo. Nel 1961 Umberto Eco scrive La forma del disordine, pubblicato all’interno dell’Almanacco Letterario Bompiani 1962, in cui l’autore mette in evidenza il rapporto tra arte, scienza e aleatorietà. È accompagnato da riproduzioni fotografiche di opere principalmente di arte cinetica e programmata, tra le quali spiccano Struttura continua N. 018 di Bruno Munari e Immagini ottenute sostituendo ai numeri i quadrati di Davide Boriani. Il primo è un lavoro composto da elementi modulari metallici che, tramite un sistema a incastro, permette al pubblico di creare infinite composizioni. Il secondo è invece basato sul processo di permutabilità da numero a segno grafico, esplicitato già nel titolo. Tra il 1972 e il 1974, Grazia Varisco unisce aleatorietà e permutabilità con la serie Random walks by random numbers, composta da cinque serigrafie. Associando un colore e una forma arbitrari a numeri casuali usati nella matematica statistica, l’artista ottiene cinque composizioni astratto-geometriche bidimensionali diverse. Tra le tre opere si instaura un dialogo dal punto di vista sperimentale, nonostante la grande differenza tipologica, stilistica e di linguaggio.
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Storia del Cagnolin Moz-Cova e La favola delle tre ocarine. Due manoscritti illustrati poco conosciuti di Gabriele Mucchi
L'Album presenta i manoscritti di due racconti illustrati di contenuto satirico anti-nazista composti da Gabriele Mucchi per i propri nipoti in occasione del Natale del 1944. Le riproduzioni fotostatiche dei manoscritti si conservano nel Fondo Mucchi del Centro Apice dell'Università degli Studi di Milano.
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Seguendo la consueta tripartizione delle sezioni in Monografica, Fuoritema, e Rarità, riscoperte e segnalazioni, nel corso dei suoi vent’anni di onorata carriera “L’uomo nero” ha invitato gli autori a condividere ricerche e riflessioni attorno ad alcuni temi e problemi della storia dell’arte, scegliendo di volta in volta approcci differenti, secondo una molteplicità di metodi. Per questo nuovo numero in edizione elettronica ad accesso aperto, la prospettiva viene ribaltata e il Fuoritema si prende la libertà di diventare il tema del fascicolo, per provare ad annusare l’aria, a vedere cosa succede, verso quali direzioni si muovono certe ricerche, o per lasciare spazio a un “tema libero”.
Copyright (c) 2023 L'uomo nero https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Il primo numero de «L’uo­mo nero» usciva nel 2003 e la rivista affronta ora un grosso cambiamento, passando dall’edizione cartacea a quella online, ad accesso aperto. Per celebrare questo passaggio viene presentato un numero antologico che raccoglie una scelta di contributi pubblicati negli anni dai membri del Comitato scientifico e da alcuni amici di vecchia data dell’«Uomo nero». La scelta di quattordici articoli tra gli oltre duecen­toquaranta pubblicati non potrà essere del tutto rappresentativa della fisionomia della rivista, ma potrà almeno servire a restituire per sommi capi il senso di un percorso.
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Les camoufleurs français en Italie. Le cubisme d’André Mare s’est évanoui à Venise
Le camouflage aura été l’une des grandes affaires de la Grande Guerre. Dès 1915, sous l’impulsion du peintre Guirand de Scevola, les Français créent un premier service intégré de conception et de fabrication de dispositifs de camouflage, animé par des équipes spécialisées de militaires et de civils. Dans une guerre de positions où des dizaines de milliers d’hommes sont massés de part et d’autre de la ligne de front, voir sans être vu pour tromper l’ennemie est devenu un enjeu vital. Bientôt, des officiers britanniques, américains, belges et italiens viennent visiter les principaux ateliers de la section de camouflage situés à Amiens et à Noyon dans le nord de la France. En Italie, un laboratorio di mascheramento est créé au début de 1917 et des camoufleurs français viennent épauler leurs confrères italiens dès septembre de la même année. Un atelier de fabrication de matériel de camouflage est installé près de Milan et un autre à Piazzola sul Brenta. Le commandement du camouflage français s’installe à Padoue puis à Vicence. L’histoire de l’art retient le nom d’André Mare (1885-1932) à deux titres: son rôle dans le renouvèlement de l’art décoratif français avant la Grande Guerre et son action dans la section de camouflage de l’armée française durant la Grande Guerre. Le texte analyse un journal tenu par André Mare durant toute la durée du conflit; un journal remarquable par le nombre et par la facture des dessins dont il orne ces pages, dix carnets dans lesquels il consigne sa formation d’artilleur, puis ses activités de camoufleur, décrit les évènements dont il est témoin et les sentiments qu’ils suscitent en lui, le tout truffé de nombreuses photographies de petit format et d’annotations graves ou légères.
Copyright (c) 2022 Yves Chevrefils Desbiolles https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Ambienti per design un suono udito una cosa vista (EXIT) di Zeno Birolli uscì nel 1983, all’interno della raccolta Sorbi, tordi & nitidezze, un volume che radunava materiali vecchi e lavori nuovi con il sottotitolo di Arte in Italia dopo la Metafisica. Il libro, relativamente noto nella produzione storico artistica di Zeno Birolli, rappresenta il frutto di una stagione intensa di elaborazione intellettuale e progettuale: nell’idea dell’autore doveva presentarsi come una sorta di silloge di un decennio di riflessioni sulle arti nel periodo tra le due guerre. Tra i nuovi studi critici pubblicati nella raccolta, Ambienti per design risulta essere sia per numero di pagine sia per contenuti uno dei più autorevoli e impegnati. Il testo è la descrizione dettagliata di alcuni interni creati per le mostre dell’abitazione e dell’arredamento moderno della Triennale milanese del 1936, ma il tema dominante si raccoglie intorno all’idea che vi sia “un legame che procede dalla prima metafisica di De Chirico [...], si permuta nell’opera di alcuni pittori e scultori della postmetafisica e nel razionalismo architettonico degli anni trenta e quaranta, sino allo spazio scenico di Antonioni”.
Copyright (c) 2022 Paolo Rusconi https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Viaggi virtuali di Alighiero Boetti alle origini delle Mappe, 1967-1971
Fra 1967 e 1969 – anni densissimi di lavoro e sollecitazioni, a cominciare dal ritrovarsi ogni giorno negli spazi della Galleria Sperone, con opere e discussioni nuove – Alighiero Boetti viaggia virtualmente fra immaginari innescati, confrontati, condivisi, con compagni di strada vicini o distanti, in una rete di suggestioni che si definirà nel 1969, con la svolta propriamente concettuale del suo lavoro, nelle due direzioni delle quadrettature ricalcate della serie de Il cimento dell’armonia e dell’invenzione da un lato, e del Planisfero colorato, propedeutico alle Mappe, dall’altro. Percorsi incrociati che val la pena tentare di ricostruire per indizi, con uno scavo forse ingrato, ma altrettanto “intrigato” dall’ipotesi di una via d’accesso alla temperie e ai frangenti dei possibili scambi e discorsi passati fra gli artisti in quel triennio. In particolare si affronta quel “sentimento geografico” di matrice dechirichiana, una sensibilità allo spazio abitato che si dilata nell’immaginario, trasfigurando visivamente e concettualmente il dato di partenza, che affiora in tanti lavori di quegli anni, di cui le Mappe di Boetti sono un caso esemplare.
Copyright (c) 2022 Maria Grazia Messina https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Pittura, fotografia, cinema in Luigi Veronesi
Luigi Veronesi è stato un artista complesso, per varietà di direzioni, scelte e risultati. Complessità fondante, sempre, la sua attività, dagli anni Venti a quasi tutti i Novanta, e di conseguenza chiave necessaria alla comprensione dell’intero suo itinerario, al di là della mera constatazione di una poliedricità. Il saggio, infatti, propone di analizzare la ricerca di Veronesi pittore, fotografo, filmmaker, grafico editoriale e pubblicitario, scenografo, costumista, autore di marionette per il teatro, nella sua unitarietà di una caratterizzante tensione alla globalità che ha creato disorientamento, incomprensioni, disinteresse e giudizi negativi, aggravati dalle sue matrici non accademiche e dalle sue posizioni ideologiche marxiste e antiidealistiche.
Copyright (c) 2022 Luciano Caramel https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Achille Funi nella collezione del MAC-USP
Negli ultimi anni, molto è stato detto, nella storiografia dell’arte brasiliana, sulla creazione delle istituzioni artistiche dedicate all’arte moderna nel paese, a partire dai contatti, negli anni Quaranta, del critico paulistano Sérgio Milliet e, poi, dell’industriale Francisco Matarazzo Sobrinho (di discendenza italiana) con gli Stati Uniti, in particolare col Museum of Modern Art di New York. Da queste trattative, svolte con maggior intensità nel 1946, risultò l’acquisto, da parte di Francisco Matarazzo Sobrinho e di sua moglie, Yolanda Penteado, di un primo gruppo di opere moderniste italiane e francesi, che giunsero in Brasile nel 1947. Quei due anni segnarono l’inizio del progetto di costituzione del primo Museo d’Arte Moderna di San Paolo (MAM), la cui collezione fu trasferita all’Università di San Paolo nel 1963, con la creazione del Museo di Arte Contemporanea (MAC-USP) per accoglierla. Il saggio si concentra su un dipinto di Achille Funi incluso nella collezione, L’indovina (1924), comprato per tramite della Galleria Il Milione di Milano nel 1946.
Copyright (c) 2022 Ana G. Magalhães https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Visitare gli studi d'artista, in parola e in immagine
Si infittiscono, nel ventennio tra le due guerre e specialmente negli anni Trenta, i resoconti giornalistici di visite ad artisti nel loro studio. Lettori di quotidiani o di riviste di cultura né militante né specialistica sembravano gradire queste incursioni di occhi fintamente ingenui in spazi altri: piaceva che lo scrivente assumesse la posizione incuriosita e vagamente scettica del lettore, cui era riservato il privilegio di penetrare nelle officine di lavoro degli artisti più fortunati, e discussi, e premiati alle grandi mostre, Casorati o Martini o De Pisis. Il saggio passa in rassegna una serie di studi di artisti attraverso i resoconti reportagistici e fotografici, evidenziando diverse situazioni possibili all’interno dello studio: dall’artista al lavoro o in posa alle opere disposte o accatastate nello studio, fino alla modella in posa o a riposo.
Copyright (c) 2022 Flavio Fergonzi https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Fortuna e destino di Gastone Novelli nel racconto di Claude Simon
In continui intrecci tra letteratura e arte, il saggio ricostruisce la fortuna del lavoro di Gastone Novelli nelle pagine di Claude Simon, a partire dal ricordo di Sebald nel romanzo Austerliz. Sebald cita come Claude Simon racconti la frammentaria biografia di Novelli nel suo romanzo Le jardin des plants. Data la particolare attenzione per le arti visive da parte di Simon, il romanziere francese e l’artista italiano si conoscono a Parigi nel 1961 in occasione della personale di Novelli alla Galérie du Fleuve; da quel momento nasce un rapporto di amicizia e di collaborazione che porterà Simon a scrivere un testo per la mostra di Novelli a New York nel 1963.
Copyright (c) 2022 Zeno Birolli https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
[Lucio Fontana.] Dall'antologica all'Attico nel 1959 al Catalogo generale del 1974 e del 1986
L'articolo tratteggia il rapporto tra l'autore e Lucio Fontana ripercorrendo le esperienze del decennio che va dalla breve ma significativa antologica dell'artista organizzata da Crispolti alla Galleria L'Attico di Roma, nell'autunno del 1959, all'esperienza del catalogo generale, avviato poco dopo la scomparsa di Fontana, e realizzato nella sua prima edizione nel 1974. Lungo questo percorso, Crispolti cerca di riassumerne l'ottica, nel senso d'uno sguardo retrospettivo sui trascorsi creativi di Fontana, che muovono da metà degli anni Venti, attraverso considerazioni relative a nodi centrali del suo immaginario, per poi riferirsi al dialogo ravvicinato sviluppato nell'ultimo decennio di creatività e di vita dell'artista.
Copyright (c) 2022 Enrico Crispolti, Archivio Biblioteca Enrico Crispolti - www.archiviocrispolti.it; per le opere di Lucio Fontana: Fondazione Lucio Fontana, by Siae https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Appunti sulle sezioni straniere alle prime Biennali. I pittori francesi e l'impressionismo
La questione della partecipazione francese alle Biennali non può non partire dalla lunga polemica sull'assenza degli impressionisti: una polemica iniziata da Soffici sulla "Voce", appoggiata da Barbantini e dagli artisti di Ca' Pesaro, che verrà a distanza di quattro decenni risarcita nell'edizione postbellica del 1948, quasi a pagare un debito verso la cultura figurativa d'oltralpe. Sarebbe tuttavia rischioso uniformarsi passivamente a questa giusta rivendicazione che sottolineava con quanto ritardo la critica italiana accettasse di misurarsi con il rinnovamento linguistico francese: i conti in prima istanza erano quelli con la pittura ufficiale dei Salons e con l'autorità dell'Accademia di Francia a Roma, garante nella persona di Albert Besnard di una selezione attenta a equilibri tra personalità e istituzioni, spesso legate a un'immagine di grandeur. Nelle maglie della selezione e dei giurati preposti agli inviti, però, un margine sia pur minimo di presenza veniva assicurato, se dal 1897 e poi nel 1903 e nel 1905 alcune opere degli impressionisti storici arrivavano in Biennale.
Copyright (c) 2022 Maria Mimita Lamberti https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Gorilla Art. Intorno a una lettera inedita di Karl Vossler a Filippo Tommaso Marinetti
Nella primavera nel 1914, probabilmente durante una delle sue tournées tedesche, Filippo Tommaso Marinetti venne a sapere che, nel proporre a un pubblico più ampio la sua già nota Italienische Literaturgeschichte (1900; 2° ed. 1908), Karl Vossler aveva tenuto una serie di conferenze al Freies Deutsches Hochstift di Francoforte, concluse da una breve analisi dell'impatto del Futurismo sulla scena letteraria italiana. Marinetti si mobilitò alla sua solita maniera, affrettandosi a scrivere una lettera corredata di allegati futuristi. L'articolata risposta di Vossler, datata 28 luglio 1914, il fatidico giorno della dichiarazione di guerra dell'Austria-Ungheria contro la Serbia, è l'oggetto di questo contributo.
Copyright (c) 2022 Jeffrey T. Schnapp https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Emilio Villa: lettura fonetica delle Superfici di Capogrossi
In occasione della personale di Giuseppe Capogrossi alla Galleria L'Attico di Roma dal 10 al 30 marzo 1962, venne pubblicato un catalogo ideato dal poeta e critico d’arte Emilio Villa, con due suoi testi. Il primo, steso in occasione della mostra, presenta una seconda parte ideata e scritta in latino nei primi anni Cinquanta come lettura fonetica delle strutture segniche di Capogrossi, e il secondo, in francese, datato settembre 1953, è anch'esso pensato come lettura fonetica. Il saggio analizza come Villa ricrei verbalmente e visivamente le articolazioni segniche di Capogrossi, attingendo ad ambiti semantici differenti, e mette in luce le fonti visive di carattere arcaico e primitivista che Villa individua nella sua lettura del lavoro dell’artista e che suscitavano l’interesse di artisti e critici a Roma tra la fine degli anni ’40 e i primi anni ’50, vicini all’ambiente della Fondazione Origine e della rivista “Arti Visive”.
Copyright (c) 2022 Davide Colombo https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
"Negro eating watermelon": pitture murali, cronache e controversie a New York. 1933-1936
Il saggio analizza la presenza del ritratto di un nero sorridente e con un cocomero in mano - una delle trecento figure del ciclo Law through the Ages dipinto tra 1934 e 1936 da Attilio Pusterla nella cupola della rotonda della County Court House di New York – che fu motivo di proteste della comunità nera locale (politici, avvocati, artisti, imprenditori e uomini di chiesa) che ne richiedeva la rimozione a Samuel Levy, presidente del distretto di Manhattan, e a Ernest Peixotto, pittore e membro della Municipal Art Commission di New York: "a Negro eating watermelon wasn't sufficiently dignified for courthouse murals and it was burlesque of the race".
Copyright (c) 2022 Silvia Bignami https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Elementi di un'iconografia del piacere e dell'utopia nell'opera di Georges Seurat, Paul Signac, René Clair e Marija Lebedeva
Un uomo sdraiato in un prato, poggiato su un gomito, si gode la sua libertà; è felice anche se all'orizzonte incombe una gran fabbrica che vomita fumo. Ma quell'ozio felice dura poco. Due gendarmi interrompono le fantasticherie del vagabondo sollevandolo di peso e obbligandolo al lavoro; anche prima di Auschwitz si sapeva che "il lavoro rende liberi". L'obbligo alla libertà - a una libertà diversa da quella immaginata sognando a occhi aperti in un povero prato di periferia - comporta in questo caso come primo corollario l'obbligo al lavoro. Il saggio affronta il tema del diritto all’ozio nelle opere di pittoriche e cinematografiche di Georges Seurat, Paul Signac, René Clair e Marija Lebedeva.
Copyright (c) 2022 Antonello Negri https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
"Un futuro c’è stato…” Anacronismo e suggestioni iconografiche in Fontana
Al di là di ogni trionfalismo e di ogni ostentazione “progressiva”, il Fontana che nel 1965 si rispecchia in quell’Autoritratto teso ed esatto, solo apparentemente colloquiale o divagante, restituito da Carla Lonzi, è un caposcuola riconosciuto che riesce ancora a vivere con stupore e con un sorprendente senso di germinalità gli indubitabili risultati raggiunti. Il saggio presenta una serie di fonti visive di matrice arcaica o cosmica sapientemente rielaborate da Fontana nel corso della sua carriera.
Copyright (c) 2022 Giorgio Zanchetti; per le opere di Lucio Fontana: Fondazione Lucio Fontana, by Siae https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0